En tandem : L’archéologie en bulles, quand la BD fait de l’art.

Il y a de ces grands artistes qui ne sont pas assez reconnus dans le monde de l’histoire de l’art et non, malheureusement, nous n’écrivons pas un article pour rendre hommage à l’intermittent du spectacle qui fait s’élever des bulles de savon arc-en-ciel par-dessus l’Arc de Triomphe du Carrousel. Nous avons plutôt décidé de vous parler du lien entre archéologie, histoire de l’art et bande dessinée, comme exploré à travers l’exposition de la Petite Galerie du Louvre, jusqu’au 1er juillet 2019, intitulée « L’archéologie en Bulles ».

             Aussi décalé que ce binôme puisse paraître – archéologie et BD – cette association est en réalité très pertinente. L’exposition, répartie en cinq thématiques, propose d’approfondir le lien entre « artistes et archéologues » – d’où le nom de la première partie – d’une part par la corrélation entre les méthodes, car les deux domaines [ATTENTION SPOIL] ont recours à la pratique du dessin. Même avant la naissance de la discipline scientifique, les amateurs et voyageurs s’équipaient impérativement (entre autres) de carnets de dessins, afin de croquer tous les vestiges, œuvres et objets qu’ils voyaient, pour la mémoire et pour la diffusion. D’autre part, la relation entre artistes et archéologues est étudiée avec humour à travers la vision de l’archéologue dans les bandes dessinées : on les connaît toutes, ces figures d’explorateurs, aventuriers et détectives qui ne s’éloignent de la réalité que par leurs fantastiques aventures. Mais les artistes et les archéologues mènent alors dans ces épopées les mêmes objectifs de résolution d’énigmes posées par l’histoire. Cette partie fait bien sûr appel à des paysages de l’Egypte, notamment rendue célèbre par la fameuse expédition napoléonienne de 1798 à 1801, qui sont souvent associés à de sombres mystères.

             La sibylline Egypte n’est pas en reste de toute l’exposition. Elle permet au visiteur d’aborder la seconde partie sur les trésors archéologiques. Il est d’ailleurs accueilli par le portrait de Jean-François Champollion (Léon Cogniet, 1831) en couleurs chaudes, histoire de nous faire entrer dans l’ambiance désertique des fouilles. Le terme de « trésor », exploré par le second thème, revêt différentes formes en archéologie, réunies autour de l’idée de la découverte de quelque chose qui a été enfoui dans le sol, volontairement, d’objets plus ou moins précieux selon leurs matériaux ou leurs significations d’alors (comme des dépôts votifs, de fondation d’un sanctuaire etc.). Comme pour la première section, on complète cette vision de l’archéologie, ou de l’archéologue, par le prisme de la BD qui voit bien souvent dans ces découvreurs, ou ces « inventeurs » selon le terme employé en archéologie, des figures héroïques en quête de ces trésors devenus éminemment exceptionnels, la plupart du temps mis en scène de manière extraordinaire à vous donner envie de devenir archéologue. En évitant souvent la partie poussière, terre sous les ongles, restes de vaisselle en terre-cuite et tutti quanti. L’exposition n’oublie évidemment pas de mentionner les trésors sous-marins, dont les méthodes et les moyens de recherches s’étoffent de plus en plus depuis quelques décennies, illustrés par la statue en bronze d’Apollon découverte en 1832 au large de Piombino (Italie) qui appartient aux collections du musée du Louvre.

             Les collections du musée du Louvre sont d’ailleurs une sorte de fil conducteur dans la Petite Galerie, car les objets archéologiques qui illustrent le propos de l’exposition sont sortis de leurs salles. On en voit beaucoup dans la troisième section intitulée « Classer pour comprendre ». Celle-ci est plus centrée sur les méthodes de l’archéologie en nous montrant par exemple, dans une large et longue vitrine, de petits objets alignés sur des crochets, selon leur positionnement théorique dans une coupe stratigraphique, dans une sorte de reconstitution d’un sol de fouilles. Le bédéiste, bien qu’évoluant dans un univers souvent inventé, s’emploie la plupart du temps à recomposer ces strates du temps lui aussi, à faire des typologies d’objets à travers ses planches et à équiper ses héros de tous les ustensiles nécessaires.

             Le petit circuit nous emmène ensuite du côté de l’interprétation et du rêve, dans la section « Interpréter et Rêver », qui sont, somme toute, des caractéristiques communes aux deux domaines. Après les fouilles, l’archéologue doit interpréter ses découvertes pour pouvoir en faire une publication et, si l’objet a été trouvé en dehors de son contexte archéologique, comme cela s’est souvent produit au cours du XIXe siècle, l’archéologue doit mener une étude qui lui permettra de développer des hypothèses. Le bédéiste, quant à lui, se sert aussi bien de données réelles qu’imaginaires, car contrairement à l’archéologue, il peut s’intéresser à des sites historiques, les reproduire ou bien en inventer de nouveaux, « innover » sur les fondements historiques des recherches scientifiques. C’est ce que j’ai aimé dans la dernière séquence, « Quand la bande dessinée imagine », où l’on y confronte notamment ce célèbre tableau de Hubert Robert, Vue imaginaire de la Grande galerie en ruines, (1796) avec une planche de Nicolas de Crécy tirée de sa BD intitulée Période glaciaire, (Futuropolis et Musée du Louvre, 2005) comme le clou du spectacle. L’un imagine le Louvre de la fin du XVIIIe siècle en ruines, évoquant son ancienne fonction de musée où un copieur tente encore  d’apprendre des œuvres du passé et où d’autres tentent de se réchauffer autour d’un braséro. Tandis que le second imagine un Palais du Louvre plus proche du XXIe siècle, enseveli sous des mètres de neige, où des aventuriers incultes malgré eux tentent de sonder ces siècles de passé (tout en pensant qu’il s’agit d’une seule et même civilisation à un temps donné) avant qu’ils ne disparaissent totalement.

             Si vous êtes encore mitigés à l’idée d’aller voir cette exposition, vous serez entièrement convaincus par le coin lecture de la Petite Galerie, installé au milieu de la dernière salle, qui permet à qui veut de se servir dans les bandes dessinées installées dans une petite étagère entièrement à la disposition des visiteurs. Vous y trouverez la plupart des BD évoquées le long du parcours, ainsi que d’autres, et vous aurez la joie d’admirer les sourire et les visages joyeux de tout âges, que tous ces gens qui se plongent dans une lecture passionnante en plein musée arborent, tout en oubliant qu’il y a un crâne exposé dans la vitrine d’en face.

Lise Thiérion

Illu Archéo BD 2.jpgLa Bande dessinée fait son entrée au musée

(NB Les BD citées ne sont pas toutes présentées dans l’exposition).

Une fois cette balade dans la Petite Galerie bien en tête, attardons-nous davantage dans ce coin bibliothèque et même plus particulièrement sur la rencontre (pas si nouvelle qu’on pourrait le penser) entre les trois premiers arts (pour ceux qui ne connaissent pas bien la classification : architecture, sculpture et arts visuels) et le neuvième, la bande dessinée.

Cette association quand on y pense paraît bien naturelle. Associer les arts anciens et poussiéreux des musées à celui nettement plus actuel et accessible de la Bande dessinée ouvre une nouvelle palette de possibilités. Bien sûr nombre d’entre nous pourront crier à l’irréalisme constant qu’on peut voir dans une grande partie de ces ouvrages. Mais soyons indulgent et penchons-nous sur la qualité ou non de ces histoires dont certaines sont mises à l’honneur au Louvre cette année.

           L’histoire d’amour entre le Louvre et la BD remonte à quelques années déjà. Depuis 2006, le musée s’est associé avec la maison d’édition Futuropolis pour donner chaque année carte blanche à un auteur de BD (bédéiste pour les intimes) afin qu’il produise un ouvrage en rapport avec le Louvre. De grands noms y ont participé : on peut notamment citer feu Jirô Taniguchi, grand maître du manga qui a réalisé Les Gardiens du Louvre (ed. Futuropolis) en 2014. Ce genre de partenariat n’est pas uniquement propre au musée du Louvre puisque le musée d’Orsay possède aussi sa collection avec Futuropolis (n’ayant pour l’instant que deux ouvrages à son catalogue), dont le fabuleux et irrésistible Moderne Olympia (ed. Futuropolis, 2014) de Catherine Meurisse qui raconte les déboires de l’actrice Olympia dans l’industrie d’Orsay n’ayant que des rôles X sur son CV et dont sa principale rivale n’est autre que Vénus, star du tableau de Cabanel.

           La Bande dessinée réinvente l’art et les musées pour montrer un aspect différent de ce qu’on peut expérimenter lorsqu’on est simple visiteur.

           Dans un premier temps elle sert à raconter les histoires perdues de tous ces objets qui restent inertes dans les salles. Évidemment, quelques périodes semblent plus propices à la réécriture que d’autres. C’est la raison pour laquelle on a de nombreuses histoires qui prennent place au temps des Pharaons comme Papyrus (ed. Dupuis, depuis 1974, 35 tomes) de Lucien de Gieter qui raconte les aventures du héros éponyme, protecteur et ami de la fille du Pharaon. L’occasion de représenter énormément de statues, temples et tombeaux dans un univers rempli de hiéroglyphes. Mais l’Égypte ancienne n’est pas la seule époque privilégiée : l’Antiquité romaine connaît également son heure de gloire avec Alix (ed. Casterman, depuis 1965, 37 tomes) de Jacques Martin, citoyen romain et aventurier au service de César. N’oublions pas non plus dans Astérix (grands absents de l’exposition par ailleurs), les irréductibles Gaulois qui font trembler ce même César. Plus rares existent aussi des ouvrages qui tentent de remonter encore plus loin dans le temps comme l’iconique Rahan (ed. Hachettes, depuis 1969) de Roger Lécureux et André Chéret ou plus récent, Silex and the city, (ed. Dargaud, depuis 2009, 7 tomes) de Jul qui réécrit la Préhistoire avec humour et anachronismes, tout en s’inspirant d’objets tels que les Vénus sculptées. Ce qui explique probablement la présence d’une certaine Diane de Brassempouy, top modèle, dont la ressemblance est assez frappante avec la dame du même nom.

           Dans une autre optique, la Bande dessinée s’empare parfois du musée comme un lieu de décor pour ses histoires farfelues. C’est notamment le cas pour Les Chats du Louvre (ed. Futuropolis, 2017) de Taiyô Matsumoto où le Louvre serait peuplé par des chats depuis des siècles. Plus réaliste (quoique), Bastien Vivès nous plonge dans le casse du siècle avec La Grande Odalisque, (ed. Dupuis, 2012, 2 tomes) récit dans lequel il met en scène trois jeune femmes décidant de braquer le Louvre (mais aussi le musée d’Orsay et d’autres encore). Ce qui donne lieu à des scènes fascinantes, notamment une hallucinante cascade à moto sur la pyramide du Louvre. Le Musée du Louvre en lui-même n’est pas la seule source d’intérêt, ses visiteurs y participent également. Ainsi dans L’île-Louvre (ed. Futuropolis, 2015) de Florent Chavouet, les visiteurs sont les personnages : leurs commentaires, leurs questionnement et leur comportement est ce qui est le plus savoureusement représenté, pour le plus grand plaisir du lecteur.

           Enfin, l’art, source perpétuelle d’imagination, permet par lui-même de proposer de nouvelles histoires. Ainsi dans Le Cimetière des Cathédrales, (ed. Lombard, 1988) de la série Rork d’Andréas, le héros part à la recherche en Amazonie d’un certain cimetière au fin fond de la forêt qui accueillerait des centaines de vieilles cathédrales envahies par la nature, de quoi faire frissonner un médiéviste. À l’opposé de cette idée de faire revenir le passé, Période Glaciaire (ed. Futuropolis, 2006) de Nicolas de Crécy nous amène dans un futur où des archéologues retrouvent le Louvre sous les glaces et interprètent ce qu’ils y découvrent (un bonnet de l’OM par exemple, marque d’appartenance suprême). Les objets y prennent vie également, appelant leurs redécouvreurs à l’aide. Le Louvre, déjà un lieu d’histoire en lui-même, devenu de nos jours un lieu d’exposition de découvertes, redevient dans ce futur un objet d’étude avec tout ce qu’il renferme dans ses salles enfouies. Les découvertes cherchent perpétuellement à être redécouvertes.

           La Bande dessinée s’empare donc de ce domaine monstre qu’est l’histoire de l’art, la remodèle, se l’approprie et en renvoie une image différente, réinventée. Cette association est peut-être ce qui pourrait permettre aux musées d’atteindre des publics qu’ils n’atteignent pas habituellement, mais cela reste encore à voir.

Salomé Moulain

DON’T GO BREAKING MY EARTH !

Nous l’avons tous vue, que ce soit par les partages sur les réseaux sociaux ou par le mail de Claire Barbillon, cette tribune du 13 mars 2019 dans Libération « Climat : après nous, pas de déluge », par le Réseau étudiant pour un patrimoine bleu – Margot Rousset, Gabrielle Carron et Romane Gorce, qui incitait tous les élèves en histoire de l’art et archéologie à aller manifester pour le climat lors de la marche des étudiants qui s’est déroulée vendredi 15 mars.

Pourtant, ce que nous voyons sur les grands médias, tels que FranceInfo et Le Monde par exemple, ce sont des articles et des images des incendies et des violences qui se sont déroulés en marge des cortèges, particulièrement lors de la marche du samedi 16 mars, où l’action des Gilets Jaunes rejoignait celle de la lutte pour le climat. Lorsque les marches pour le climat sont évoquées, c’est pour nous faire part de la panoplie des pancartes toutes aussi percutantes et humoristiques les unes que les autres, dans un diaporama bon enfant, ou quelques chiffres en titre d’un article.

Loin de vouloir casser du sucre sur le dos de tout le monde, ce que je voudrais, dans cet article, c’est vous raconter un peu comment cela s’est passé. Tout d’abord, il y a eu la manifestation de vendredi, une marche spéciale pour les étudiants. Une grève générale internationale et, d’abord, scolaire initiée par Greta Thunberg, une jeune suédoise de 16 ans. On a beau critiquer les 2000, cette femme qui avait commencé à faire la grève scolaire aux mois d’août et septembre 2018 devant le parlement suédois pour remuer les élections législatives, est devenue, comme nous le savons, l’icône des jeunes engagés pour la sauvegarde de la planète souhaitant que les dirigeants prennent des actions concrètes et immédiates pour empêcher le réchauffement climatique. Parce que nous, étudiants, jeunesse mondiale, nous avons besoin que ceux qui sont en charge de notre avenir voient plus loin que le bout de leur nez, qu’ils prévoient au-delà de leur quinquennat et qu’on prenne, une bonne fois pour toutes, la vie au sérieux.

De cette façon, à Paris, les étudiants se sont rejoints à 13h au Panthéon, afin de marcher ensemble pour réveiller les consciences endormies par leur désir de profit. Afin de faire entendre que la planète n’est pas un emballage que l’on jette après usage et que, surtout, il n’y en n’a pas d’autre (non, vraiment, même si des milliers d’exoplanètes ont été trouvées, nous n’avons pas les moyens de les atteindre avec notre technologie actuelle et il est très peu probable qu’on y arrive un jour, tout simplement aussi parce qu’il faudrait plus d’une vie pour les rejoindre : donc pour nous c’est déjà cuit et non, on n’a pas encore réussi à réveiller quelqu’un d’une cryogénie), le cortège s’est déplacé de Panthéon à Montparnasse, pour enfin rejoindre les Invalides ; en prenant soin d’éviter le Palais du Luxembourg, siège du Sénat français.

En exclusivité, le ressenti de Déborah Philippe, membre du Louvr’Boîte qui a participé à la marche des étudiants le vendredi 15 :

L.T. : “Qu’est-ce que ça fait de participer à une marche d’étudiants ?”

D.P. : “On a l’impression d’appartenir à un groupe uni pour une cause importante… Même si ce n’est pas quelque chose dont on a l’habitude, je conseille fortement d’y participer au moins une fois. Ce sont les petites choses qui forment les grandes !”

L.T. : “Comment l’après-midi s’est-elle déroulée ?”

D.P. : “Tout a commencé au Panthéon avec des « Et 1, et 2, et 3 degrés, c’est un crime contre l’humanité ! » pendant trois quarts d’heure (oui, les étudiants de l’école étaient trèèès en retard), slogan qui va rythmer toute la marche avec une joyeuse fanfare de cuivres, en passant par Montparnasse avant de se terminer aux Invalides”.

L.T. : “As-tu eu l’impression que les élèves d’histoire de l’art et d’archéologie avaient leur place au sein de cette marche / ont-ils été particulièrement visibles ?”

D.P. : “Évidemment qu’ils ont leur place dans cette marche ! Tout le monde est concerné. Malheureusement il n’y avait qu’une poignée d’étudiants de l’EDL, environ une vingtaine… Très vite dispersée.”

L.T. : “Y a-t-il eu des discours à la fin de la manifestation ?”

D.P. : “Malheureusement, non.”

L.T. : “Quelle sera la prochaine action des étudiants pour le climat ?”

D.P. : “Chaque vendredi, on attend du monde !”

L.T. : “Quelle a été la pancarte/la punchline qui t’a le plus marquée ?”

D.P. : “Une pancarte assez triste sur Ariel, la petite sirène, étouffée par le plastique (âmes sensibles s’abstenir). Quant à la punchline, rien de mieux que le fameux « J’ai pas la thune pour aller vivre sur la lune ».

Concernant la marche de samedi : la tension planait au-dessus de nos têtes. Bien que la marche soit, somme toute, agréable et joyeuse, comme plusieurs de vos camarades du Louvr’Boîte l’ont ressenti, je ne cessais, personnellement, de me faire harceler de notifications FranceInfo sur les incendies des restaurants et boutiques de luxe. Toutefois, il était souvent écrit au dos des Gilets Jaunes « manifestation non violente » et nombreux étaient ceux qui brandissaient leurs écriteaux : « fin du monde, fin du mois, même combat ». Des intervenants des GJ comme on les surnomme, se sont présentés sur la scène, vers 17h sur la Place de la République, afin de rappeler que cette journée, encore une fois, était dédiée à la vie, qu’il s’agisse de la nôtre, de ceux dans le besoin, ou de ceux dont l’État pense encore trop souvent que leur vie ne compte pas, comme l’a rappelé avec émotion la sœur d’Adama Traoré (victime de violences policières en 2016, jugé comme un non-lieu).

Le cortège de ce samedi pour la Marche du Siècle s’est rassemblé entre 14h et 15h Place de l’Opéra et a tracé son chemin jusqu’à la Place de la République. Bien que de nombreuses branches se soient éparpillées dans les rues voisines, c’est à cet endroit que tous se sont rejoints, chantant, dansant, brandissant les punchlines plus ou moins raffinées. « Moi j’y suis arrivée vers 14h. D’abord je suis sortie du métro à Opéra, la rame de métro entière est sortie à cette station. Ensuite, la place était tellement bondée qu’on avait du mal à monter les marches de la bouche de métro », nous rapporte Salomé Moulain, membre du triumvirat du Louvr’Boîte. Malheureusement, ni elle ni moi n’avons pu retrouver les membres de l’EDL partis en crew depuis l’école ; une équipée rassemblée par le club de Mens Sana avait également organisé un atelier de création de pancartes. Ce qui est sûr, c’est qu’il ne fallait pas être agoraphobe : à République, la foule se rassemblait autour des stands de nourriture, mis en place par les bénévoles des diverses associations organisant la marche et devant la scène où, vers 17h les prises de paroles se sont succédées ; laissant place à des GJ, à des représentants d’associations engagées pour le climat (Les Amis de la Terre), quatre jeunes engagés pour cette marche qui avaient préparé un beau texte sur leurs revendications et les solutions à mettre en place, dont la rhétorique était bien rodée. Enfin, bien sûr, les membres des quatre associations (Notre Affaire à Tous, la Fondation pour la Nature et l’Homme, Greenpeace France et Oxfam France) qui avaient décidé d’attaquer l’État français en justice face à son inaction pour le climat avec la campagne et la pétition « L’Affaire du siècle », qui ont déposé un « recours en plein contentieux » devant le Tribunal Administratif de Paris en ce mois de mars 2019. Nous avons essayé tant bien que mal de faire un « clap » pour le climat sans s’assommer les uns les autres et de sauter sur place, requinqués par les concerts offerts à la communauté.

          On nous a rappelé que les actions continueraient les prochains vendredis pour la marche des étudiants et qu’une autre grève générale, une « action de désobéissance civile non violente » était prévue pour le 19 avril, sans que l’on sache vraiment ce que cela signifie : il faut remplir un formulaire pour bénéficier de futures informations.

          Camarades de classe, professeurs, professionnels, on espère que ces actions vous font prendre conscience de l’ampleur de la crise pour le climat, que nous, étudiants en histoire de l’art et archéologie, nous essayons de connaître et de comprendre les cultures afin, non pas de nous cultiver nous-mêmes, mais de les partager, non seulement avec nos contemporains, mais aussi de les transmettre à nos successeurs sur cette planète : car disons-le « Un et deux et trois degrés / C’est un crime / Contre l’humanité ».

Lise THIÉRION

Ek°Phra°Sis – La tourmente des eaux

https___cdn.pixabay.com_photo_2016_05_20_23_25_storm-1406218_960_720.jpg

Brume en chevelure du fleuve, seules les vagues la connaissent. Dans le chant du soir, elle se languit depuis son rocher. Son regard scrute le firmament des eaux noires et bientôt, au récif, s’écaillent les espoirs. Elle ne contient plus sa détresse ; de souffrance elle se pare. Ô toi belle inconnue qui a tant charmé, sais-tu ramener dans des bras meurtris les marins trop tôt partis ? Nul doute que tu m’entendras, Lorelei, loin de l’écume fumante des entrailles du Rhin. Qu’apporte le vent à tes abyssales notes quand s’élève une plainte, des pleurs jaillissant depuis la Lune qui se plie à ta beauté ? Loin des muets cris de son cœur s’apaise le sommeil calme des assoupies paupières du Rhin, et t’endors-tu pour mieux te réveiller pour le prochain malheureux. Te voici encore, reine sans lendemain.

 

Carl Bertling, huile sur toile, Lorelei, 1871

Carl Bertling, La Lorelei, huile sur toile, 1871

Alors que les fragrances du Sturm und Drang de Goethe flottent toujours dans l’air germanique, le poète Heinrich Heine compose un poème sur la déroutante nymphe. Il y déploie toute la scintillante obscurité d’un lieu qui enivre, enchante et captive. La sonorité de la langue allemande enlace les effets musicaux du bruissement des feuilles face aux bourrasques qui se lèvent, l’agitation de l’eau en surface qui se métamorphose en puissants tourbillons, la captivante clarté d’une voix féminine perçant la nuit…Vous ne la connaissez pas mais sans nul doute résonne son nom dans vos mémoires. Enfant ne vous a-t-on jamais conté l’histoire de cette aquatique enchanteresse ? Il est dit que ces enivrants chants absorbent l’aube et perdent entre les roches les rares navires d’intrépides marins. Elle délivre sa funèbre oraison et quiconque s’approche trop d’elle, doit redouter l’écueil sur d’imprenables rives. Égérie des Romantiques allemands, la Lorelei est encore bien mystérieuse. Nul ne sait sa véritable histoire. Est-elle une magicienne accablée du chagrin d’avoir perdu un amant navigateur ? Les marins l’aurait-il tous cruellement abandonnée ? Ou peut-être est-elle une sombre nixe qui n’a comme volonté que la mort des rameurs de passage ? Le brouillard persiste sur ce rocher haut de cent trente-deux mètres, non loin de la ville rhénane de Saint-Goarshausen… Qui sait encore où elle peut aujourd’hui se trouver… Ce qui est toutefois certain, c’est que de nos jours, elle envoûte encore plus d’un touriste.

vague.jpg

 

            Le poème envoûte également l’esprit des Allemands qui le font apprendre par la suite aux petits dans leur enfance. La Lorelei devient alors le symbole protecteur de l’Allemagne et continue après le talentueux Heine à fasciner d’autres artistes. Que dire de la mélodie de Friedrich Silcher qu’il compose pour accompagner les vers du romantique Heinrich ? Ou encore de l’ekphrasis picturale de Carl Bertling sur la mystérieuse femme en 1871 ? Il la peint dans une tourmente maîtrisée que seule l’agitation des drapés vient trahir. Prête à basculer, elle se penche depuis sa falaise pour voir quel marin vient la visiter. L’espoir dans son regard sursaute de crainte et d’insoutenable attente. Est-ce son amant qu’elle rêve de voir reparaître ? Et qu’arrivera-t-il au navigateur s’il n’est pas celui qu’elle désire plus que tout ? Nous en connaissons déjà, hélas, la fin…

 

Lorelei_Silcher_.jpg

 

            Même condamnation de la femme amoureuse désespérée dans l’univers britannique. En 1603, William Shakespeare présente son tragique Hamlet. Fille du roi Polonius, la douce Ophélie s’éprend du jeune prince du Danemark qui partage sa passion bien que tous deux savent qu’un mariage entre eux est impossible. Lorsque Hamlet la délaisse et assassine son père, la jeune femme sombre dans la folie et se suicide en se noyant. Héroïne mélancolique qui ne trouve d’aboutissement à son existence qu’à travers la douceur de la mort, un topos artistique se développe en linceul autour du personnage d’Ophélie. John Everett Millais l’exalte dans son huile sur toile préraphaélite Ophélie, peinte en 1851-1852. La jeune princesse y figure noyée, ses bras revenant à la surface après un dernier sursaut de supplication adressé au destin. Sa chevelure éparse flotte en corolle autour d’elle avec en écho le déploiement de sa robe où meurent des fleurs sur l’onde. Son visage paraît étrangement calme mais dépeint un profond malheur résigné. La nature si vivante autour d’elle apparaît en verdoyant tombeau, en oxymore projeté. Face à la Lorelei, Ophélie est tout autant une héroïne éperdue d’amour mais abandonnée par l’être aimé. Cependant, la nymphe germanique transforme son chagrin en chant plaintif qui la garde en vie et qui lui permet d’attendre ou de se venger du sentiment amoureux. Ophélie, quant à elle, préfère se perdre plutôt qu’accepter la réalité de sa passion outragée, délaissée… La violence de la réaction est forcément fatale, lutte d’une vie trahie qui par l’élément de l’eau, se venge ou agonise comme seules réponses possibles face à la fatalité.

Millais, Ophélie, 1851-52.png

MILLAIS, Ophélie, huile sur toile, 1851-52

 

Sous les dolentes vagues épiées

Tremble le ressac par l’éprouvé soir

Affolé. Homme de mer, agrippe

L’amer des cordes  sans quoi

L’instant surpris en tes mains

Fanera pour à l’iode s’évaporer.

 

Est l’attache forte quand au vent

Assaillent les lunaires pierres

De braves visages à l’impavide

Embrun jeté. Hélas ! Gare !

 

Le venteau est arraché et,

Par la blancheur des flots, est

Aux inavouées abysses aspiré !

 

Mirage d’absinthe roué au bâton

Infortuné, là demeure la faute.

Éprouvée sous l’écume déchirée,

Par la passion noyée, elle y perd

Le dernier souffle sous les tambours

De la vivante statue condamnée…

 

Laureen GRESSÉ-DENOIS, Noyade

Chronique d’une licorne ratée…

« Au commencement, Dieu créa les cieux et la terre. (…) Ainsi, il y eut un soir, et il y eut un matin : ce fut le quatrième jour. Dieu dit : « Que les eaux produisent en abondance des animaux vivants, et que des oiseaux volent sur la terre vers l’étendue du ciel. » Dieu créa les grands poissons et tous les animaux vivants qui se meuvent, et que les eaux produisirent en abondance selon leur espèce ; il créa aussi tout oiseau ailé selon son espèce. Dieu vit que cela était bon. Dieu les bénit, en disant : « Soyez féconds, multipliez, et remplissez les eaux des mers ; et que les oiseaux multiplient sur la terre. » »

narval.jpg

Mais ce que l’histoire ne dit pas, c’est que Dieu se rata — il créa donc le même jour l’erreur. Cette erreur était infime, elle ne tenait qu’à un minuscule détail. Détail presque insignifiant pour tout le monde, sauf pour une espèce qui, depuis ce quatrième jour, vit chaque instant avec le poids de cette erreur. Cette espèce, c’est le narval.

Triste histoire en réalité que celle du narval, fruit d’une simple maladresse. En réalité, c’est une licorne que Dieu voulut créer ce jour-là — car il aimait beaucoup les licornes —, mais il se mélangea avec le béluga et pouf : il fit le narval ! Comme quoi, les coïncidences arrivent plus vite qu’on ne le croit. Depuis, les narvals ont en réalité vécu une bien sombre existence, car durant très longtemps, personne ne les reconnut à leur juste valeur…

narval geo.jpg

Déjà, leur nom vient du mélange de « nar » (cadavre en islandais) et « hual » (baleine). Nous partons donc sur des bases assez instables, leur nom signifiant littéralement « cadavre de baleine », il fut assez difficile pour cet animal de se faire une place dans la création avec un diminutif pareil… « C’est quelque chose dont on ne parle pas vraiment entre nous, nous confie tristement Robert* le narval, c’est vrai que c’est pas réellement la chose à dire lors d’un premier rencard quoi… » De plus, ils sont connus sous un autre nom : « licorne des mers ». Donc, encore aujourd’hui, on utilise le nom d’un autre animal pour les décrire. Ce fait révèle clairement un manque d’identité propre, les narvals ne sont parfois même pas reconnus pour eux-mêmes, on leur vole leur identité. C’est quelque chose dont ils souffrent beaucoup.

 

Néanmoins, le plus dur pour les narvals reste de vivre avec cette dent. Cette dent, qu’on prend à tort pour une corne, leur rappelle chaque jour ce qu’ils ne seront jamais : une licorne. Bernie* le narval nous a même confié vouloir se la faire enlever. Selon ses dires, « (s)a corne (lui) rappelle chaque jour quand (il se) regarde dans le miroir, qu’au lieu d’atteindre la grâce, (il est) condamné à vivre chaque jour dans un corps flasque et gros qui fait « blop » quand (il s)’assoit ».

En effet pendant longtemps les narvals ont cru pouvoir « atteindre la grâce » (cit) : jusqu’au XVIIe siècle les pêcheurs de la Mer du Nord revendaient leur dent aux Européens en faisant croire qu’il s’agissait là de cornes de licornes. Cet ornement faisait alors l’objet d’un commerce très lucratif, son cours étant alors plus de six fois supérieur au prix de l’or ! Ainsi, durant quelques siècles, on attribua à la dent de narval des propriétés exceptionnelles comme le pouvoir de guérir des maladies ou celui d’être un remède au poison. Des moines dirent même d’une dent, aujourd’hui conservée au musée de Cluny, qu’elle avait la faculté de dégager des bulles par sa pointe lorsqu’on la plongeait dans l’eau. Même si les narvals étaient conscients d’être des imposteurs, ils se sentaient pour une fois importants et reconnus.

Ce fut Ambroise Paré dans son Discours de la momie, de la licorne, des venins et de la peste (1582), qui émit pour la première fois l’hypothèse que ces cornes venaient en réalité d’animaux marins. Au départ, les narvals n’étaient pas très inquiets, « on pensait naïvement que les gens le prendrait pour un fou » se remémore tristement Angélique*, la soeur de Bernie. Mais rapidement, le masque tomba, et les Européens comprirent alors la supercherie. Cela eut des conséquences dramatiques sur le cours de la dent de narval qui chuta considérablement.

 

De cette période de gloire, les narvals ne regrettent rien, « on savait à quoi on s’exposait » maintient Angélique. « C’est vrai que pendant longtemps les gens nous en on voulu, poursuit Robert, mais au moins, notre espèce est désormais connue et reconnue, la preuve : on expose encore nos « cornes » dans les musées. » Il est vrai que durant longtemps les dents de narval étaient de vraies pièces de collection qu’on retrouvait souvent dans les cabinets de curiosité ou même les trésors d’églises. Cela n’a donc rien d’étonnant qu’encore aujourd’hui certaines soient exposées au sein même de musées.

 

De plus, bien qu’aujourd’hui tout le monde connaisse la vérité à propos de la dent du Narval, personne ne sait à quoi elle leur sert ! Les avis des spécialistes divergent à ce propos. Si certains pensent qu’elle leur sert à briser la glace, d’autre maintiennent que cette dent est faite pour pêcher. Jules Verne et Darwin pensaient tous les deux qu’elle leur servait d’arme défensive.

Des chercheurs qui travaillent sur le sujet depuis le début des années 2000 ont démontré en 2014 que cette dent est en fait une sorte de sonde chimique qui renseigne les narvals sur le taux de salinité et la température des eaux dans lesquelles ils se trouvent — cette avancée n’étant pas incompatible avec une fonction défensive. En effet, après quelques expériences ils ont constaté que le rythme cardiaque du narval change considérablement suivant si l’animal se trouve dans l’eau salée ou l’eau douce. Cela serait dû, selon eux, au fait que la dent est en réalité recouverte d’un cément, tissus poreux et sensoriel, et non par de l’ivoire. Les pores répartis sur cette dent sont parcourus par un réseau dense de terminaisons nerveuses, qui sont directement reliées à la partie centrale de la dent (la pulpe) au cinquième nerf crânien. Ainsi, la dent de narval serait un véritable organe sensoriel, et cette fonction assurée par une demeure unique chez les mammifères ! « C’est vraiment une étude qui nous a rassurés… » commença Angélique, avant de se faire interrompre par Bernie — le patriarcat et le sexisme sont aussi présent chez les narvals — « Avant on pensait juste être normaux, maintenant on comprend qu’on a en plus des super pouvoirs ! Donc finalement, notre dent est aussi magique qu’on le dit ! »

 

* Les noms sont changés par soucis d’anonymat

 

Élise Poirey

bd

EXPOPOTAME : Delacroix et Eugène, l’homme derrière l’artiste

49753152_10161345692925054_2914027596851183616_n.jpg

 

Coucou les loulous !

Bienvenue dans Expopotame, l’article où on décide si, oui ou non, on va voir une expo d’après son vernissage.

Aujourd’hui, on parle de “Delacroix et Eugène, l’homme derrière l’artiste”, la nouvelle exposition du musée Eugène-Delacroix réalisée par 10 étudiantes de l’École du Louvre.

Regardons tout de suite la bande annonce et quelques extraits du vernissage :

 

https://www.instagram.com/p/BtWGtK4jSd3/?utm_source=ig_share_sheet&igshid=1x7s6uh9py5il

 

https://www.instagram.com/p/BtljT9FHEqx/

 

https://www.instagram.com/p/BtlsV-BoDR8/?utm_source=ig_share_sheet&igshid=1r8h5on8hfi3b

 

Et c’est parti pour les punti :

Déjà, + 5 pour le brushing d’Eugène

+ 3 pour l’entrée gratuite

+ 5 pour la paire de chaussettes marocaines

– 7 pour les textes et cartels bas ou au sol

– 5 pour les cartels décalés en fonction de leurs oeuvres

+ 4 pour Delacroix et les moules (cherchez)

+ 7 pour la nouvelle technique de cuisson, le Dreux-Brézé

– 5 parce qu’on ne reconnaît pas Eugène sur l’affiche

– 3 pour les 40 polices d’écriture sur l’affiche

+ 5 pour l’absence de Comic sans MS

– 2 pour la présence d’une métope

+ 10 pour la présence des nombreux dessins de belles jambes d’hommes nus

+ 15 pour les tétons fluorescents

– 8 trop d’auditeurs

+ 9 pour la splendide vidéo formidablement tournée (et avec de beaux invités)

+ 2 pour les 2 Sardanapale

+ 3 pour l’arme blanche qui a passé la sécurité

– 2 pour l’écriture non inclusive

+ 6 pour la visite possible depuis le jardin

– 5 pour les toilettes à l’ancienne à l’extérieur du bâtiment

+ 2 pour l’éclairage zénithal (Françoise Mardrus rpz)

+ 20 pour le joli atelier

+ 3 pour avoir déniché le sosie d’Eugène (cherchez encore)

+ 10 pour le sex appeal d’Eugène

– 5 pour l’absence de Jean-Luc M.

– 4 pour les gens qui doublent pour l’ascenseur

 

Ça nous fait donc un total de 642 points. Nous irons voir l’exposition “Delacroix et Eugène, l’homme derrière l’artiste”, tous les jours jusqu’à sa fermeture. Mais on favorisera les dimanches 17 février, 3 mars, 7 et 21 avril et 5 mai 2019 à 15h pour des visites guidées avec les étudiantes de l’école, commissaires de l’accrochage.

 

Bisous les bobos, et à bientôt pour une autre expo !

 

Anna Aubourg, Elise Poirey et Jeanne Spriet

Interview – Boy Racer : Un projet musical en pleine croissance dirigé par Gautier Roques, représentant de l’électro-pop parisienne

 

Boy Racer

© Nine David

Ce 22 novembre, l’équipe du Louvr’Boîte a rencontré Gautier Roques, artiste à l’origine du projet Boy Racer.

 

  • Tout d’abord, pourriez-vous vous présenter simplement, en quelques mots ?

Boy Racer est un projet solo, de pop (pour rester large, le terme de « pop » voulant à la fois tout et rien dire), où je compose et j’écris. Je fais souvent chanter des filles sur mes morceaux pour y ajouter un petit truc en plus, car j’aime beaucoup les voix féminines. Le projet total est assez difficile à décrire en quelques mots, mais le meilleur résumé est sûrement de dire que c’est de la musique pop, avec des filles.

 

  • Pourquoi le nom Boy Racer ?

J’ai trouvé ce nom à l’époque où je voulais me lancer dans la musique en solo. J’étais en concours blanc de philo en hypokhâgne quand j’ai eu la révélation. Il y a un morceau du groupe Metronomy dont le titre est « Boy racers » : j’ai donc repris ce nom, en le mettant au singulier, pour mon projet.

 

  • Travaillez-vous seul ou en groupe, en ce qui concerne la composition, l’écriture, puis sur scène ?

Je fais vraiment tout tout seul en amont en termes de composition, mais je travaille parfois avec les filles pour l’écriture des textes. Ensuite, pour le live, j’arrange le maximum auparavant mais les autres musiciens avec qui je joue (batteur, claviériste entre autres) sont tous des supers musiciens, et ont de meilleures idées que moi en ce qui concerne leurs instruments respectifs.
Tout prend ensuite bien forme en répétition, et pendant le live nous sommes cinq sur scène.

 

  • Depuis quand pratiquez-vous la musique concrètement ?

Personnellement, je pratique la musique depuis très longtemps : j’ai commencé vers mes quatre ou cinq ans, en pianotant un peu sur les instruments de mes parents, puis je me suis mis au violon pendant un an. Ensuite je me suis mis à la basse, qui est l’instrument que je pratique principalement depuis douze ou treize ans maintenant.
J’ai aussi commencé à composer assez jeune, j’aimais déjà bien ça, et c’est toujours ce qui m’intéresse le plus : je faisais des petits morceaux sur GarageBand sur l’IPad, vers la fin de collège-début lycée.
C’est après ça que c’est devenu plus sérieux, j’ai fait partie de plusieurs groupes où je n’avais plus vraiment mon mot à dire. C’est ce qui m’a alors poussé à faire des musiques tout seul car je voulais pouvoir faire ce que je voulais. Je porte ce projet solo depuis deux ans maintenant.

 

  • Votre genre musical est bien particulier. Pourriez-vous le définir assez simplement ?

C’est très difficile de définir un genre, c’est sûrement la question la plus dure pour moi, et pour les artistes en général, d’ailleurs. Ça peut nous mettre dans une case dans laquelle on n’a pas forcément envie d’être. Moi je m’en fiche un peu à vrai dire, on pourrait dire pop, parce que c’est très large encore une fois, voire définir ça comme de l’électro–pop, car il y a le côté très moderne qui est présent. On peut même dire électro-pop française, voire parisienne si on prend en compte le côté très épuré de la musique. Et ça correspond, parce que même si ça reste très restreint comme dénomination, tous les musiciens, même ne venant pas de Paris, y viennent forcément pour y développer leur musique.

 

  • Qu’est-ce qui vous a vraiment poussé à vous lancer en solo ?
    Et comment avez-vous évolué jusqu’à faire ce que vous faites aujourd’hui ?

J’aime bien tout contrôler. Et quand tu fais partie d’un groupe, c’est impossible, tu dois toujours te plier à ce que les autres veulent que tu fasses etc. C’est aussi difficile de se confronter à l’égo des musiciens (des guitaristes par exemple), tu ne peux pas leur demander de modifier ce qu’ils font, ou de jouer moins. Je me suis donc dit : autant se lancer seul. Tu contrôles tout, et c’est tant mieux.
Tu décides de tout, mais sans être trop autoritaire non plus et que les autres n’aient rien à dire, au contraire. Plus j’avance, plus je rencontre des gens qui sont tellement talentueux que tu te tais et tu prêtes attention à ce qu’ils ont à te proposer, et c’est aussi ça qui est vraiment cool. Tu sais que les gens sont meilleurs que toi, donc forcément tu écoutes, et c’est le cas aussi avec des gens qui ne sont pas forcément musiciens.
L’avantage est surtout sur le contrôle de la chose, où tu peux te mettre plus en recul, même si ça reste ton truc. Tu peux mettre cette distance justement parce que tu sais que les gens sont compétents et que tu n’as pas de souci à te faire, et ça peut même t’enlever une part du travail.

 

  • Y-a-t-il eu des obstacles à ce parcours ?

Ben, au début, je faisais de la merde, donc c’est forcément le plus gros obstacle. Maintenant, je trouve que ça se passe plutôt bien. Il n’y a pas eu de gros obstacle, j’arrive à peu près à tenir mes objectifs. Après, aujourd’hui, je pense que le plus gros obstacle auquel je suis confronté c’est de passer du niveau où je fais tout tout seul dans ma chambre, à celui où je vais signer quelque part, avoir une grosse distribution, changer d’échelle. Là, je suis arrivé aux limites du développement du système tout seul, ça commence à bien tourner. Boy Racer a joué mardi aux Étoiles, on a trois dates en décembre, donc c’est trop cool. Mais on en veut toujours plus, on pense à une tournée en France, une tournée européenne, on voit très loin. Je pense qu’à force, le plus gros obstacle dans tout ça, c’est l’argent, forcément, et les contacts, qui peuvent te donner de la visibilité, etc.
Les contraintes que je peux avoir sont surtout pratiques, le jour où tu as des contraintes artistiques c’est là où il faut se remettre en question. Je trouve ça justement bon signe d’avoir ces obstacles-là, qui sont totalement indépendants de moi (même si je pourrais travailler à les diminuer, m’arranger pour gagner plus d’argent et donc avoir plus de moyens par exemple), donc globalement je trouve que j’ai de la chance.

 

  • Quels sont les artistes que vous écoutez le plus, vos influences musicales ?
    Vous intéressez-vous à d’autres artistes appartenant au même genre musical que vous, ou au contraire préférez-vous vous pencher sur autre chose ?

Personnellement, j’écoute vraiment de tout, comme tout le monde. Pour ce qui est de Boy Racer, j’ai vraiment des influences récurrentes, j’en cite souvent trois ou quatre. Il y a Air, Gainsbourg, Metronomy, surtout. Pour voir plus large il y a aussi LCD Soundsystem, même si ça se voit moins dans ma musique. J’ai eu aussi un parcours et un background jazz en conservatoire, ça se ressent plus en live ça pour le coup, où il y a des moments qui sont carrément jazz. Pour l’instant ça se prête moins à la musique en studio, parce que faire du jazz sans rien, sans vraie batterie, c’est moche, donc on verra peut-être plus tard pour le faire.
Après il y a Arcade Fire qui est une grosse inspiration, Pink Floyd forcément parce que j’écoute ça depuis super longtemps, et Sébastien Tellier aussi.

 

  • Un modèle ou mentor dans le domaine ?

Le modèle suprême dans l’écriture, c’est Gainsbourg évidemment, mais il reste inatteignable. J’admire énormément Metronomy pour ce qui est de la composition, et surtout l’album « The English Riviera » qui est, je trouve, parfait. La musique que je veux faire peut vraiment se définir par ça. Parfois, j’ai tendance à faire un peu du copié-collé de ce qu’ils font, c’est un peu dur de s’en détacher. Pareil pour Air, dans le côté électronique avec des vrais instruments, analogique et très planant, (qui se retrouve avec les synthés) et que j’aime beaucoup ajouter dans ma musique.
Il y a les Beatles aussi, pour le fait de pouvoir tout faire, parce qu’ils ont tout fait et eux ils ont tout bien fait. Et là je ne suis pas du tout dans la comparaison, c’est purement un idéal.

 

  • Vous avez parlé de synthé, de batterie, de basse. Quel est l’instrument privilégié dans vos morceaux, et quels sont ceux que vous pratiquez ?

J’essaie de ne rien privilégier, c’est plus mon niveau dans chaque instrument qui fait qu’il sera privilégié par rapport à un autre. C’est sûr que la basse est souvent ce qu’on retient de mes morceaux et dont on me parle le plus, parce que mon niveau en basse est vraiment au-dessus de celui dans les autres instruments desquels je joue. Dans l’idéal, j’aimerais bien jouer de tout et de la même manière, même si j’ai plus d’affinités avec la basse ou les synthés. Le problème avec les synthés c’est aussi que ça vaut extrêmement cher, donc on fait avec ce qu’on a et c’est parfois dur de faire ce qu’on a en tête quand tu vois que celui que tu voudrais avoir vaut 15.000 euros. Donc tu te ravises et tu mets autre chose.
Après ça dépend vraiment de ce que je veux faire comme morceau, ça vient naturellement. Tu commences un truc, tu vois que c’est un peu plus rock, c’est la guitare qui est plus présente. Si tu veux un truc plus électro, là c’est le synthé, et un peu plus groove, c’est la basse. Le seul problème reste la batterie, parce que je n’ai pas de moyens d’enregistrer une vraie batterie, parce que ça vaut très cher, c’est ce qui est le plus mis de côté pour l’instant mais que je compte bien ramener vers le devant plus tard.

 

  • Musique électronique : quel est le processus de fabrication des morceaux ? En live ?
    Comment se passe le processus de création en général ?

Il n’y a pas de processus de création, pas de recette. Il y a des morceaux que tu peux créer en quelques heures seulement, ou bien en six mois. Il n’y a pas d’ordre dans la composition non plus, je ne commence pas forcément par la basse ou autre. Tout dépend de si je trouve une ligne de basse en premier et que je tourne autour ensuite, ou un rythme avec une boîte à rythme et que je commence à créer autour de ça.
Pour le live, c’est différent comme les morceaux sont déjà écrits. On essaye de les penser live, et de penser aussi la contrainte : on n’est que trois musiciens sur scène, il y a aussi les chanteuses dont une des deux qui fait de la clarinette. Mais donc je ne suis pas tout seul dans ma chambre à pouvoir enregistrer et réenregistrer autant de fois que je veux, faire plein de pistes différentes. Il faut vraiment rééquilibrer le truc, et c’est un côté auquel je ne pense pas forcément quand je compose, je ne pense pas forcément à la façon dont ça sonne en live.

D’autant plus que je privilégie quand même le côté studio au côté live pour l’instant. Après on s’en sort toujours, comme les mecs sont vraiment calés, ils proposent toujours de faire telle chose ou telle chose, et de simplifier pour que ça puisse passer. Et on a ce côté électronique en live, avec mon synthé, le clavier aussi, le batteur a maintenant un SPD (pad échantillonneur pour enregistrer et sampler les percussions, NDLR) donc on peut mixer batterie et pad.
On garde donc ce côté électro, mais aussi un peu jazz, un peu funk/disco avec la basse qui reste assez présente et le chant rend tout ça pop : c’est un gros mélange de tout ça en live, plus que dans ma musique en studio.

  • Donnez-vous régulièrement des concerts, si oui dans quels lieux en particulier ?

Je commence à vraiment tourner depuis la rentrée. Ma première grosse salle, je l’ai faite cet été, au Hasard Ludique, après j’ai fait L’Alimentation Générale début septembre, le Pop In en octobre, on a fait le P7 (dans le 13e) une semaine après, on a joué aux Étoiles en novembre et on joue à L’International le 12 décembre. Ensuite on jouera donc le 18 décembre au 1999. Et on clôturera l’année au Supersonic le 28 décembre. Et c’est ça qui est super cool, ce ne sont que des salles qui sont top, et il y a ne serait-ce qu’un an, je n’aurais jamais pensé pouvoir jouer là dès maintenant. L’évolution est allée super vite, on s’est mis d’un coup à jouer dans des grosses salles.

 

  • Préférez-vous vous consacrer à la scène ou à l’enregistrement ?

Le live est super bien parce qu’il y a le public, c’est super cool parce qu’on se fait applaudir etc., tu joues avec les gens, il y a une énergie particulière. Ça fait aussi beaucoup de bien à l’ego. Mais mon truc c’est vraiment de composer, j’aime beaucoup ça, galérer et chercher un son pendant super longtemps, bidouiller les boutons, trouver le bon accord qui va au bon endroit, c’est vraiment plus mon truc. Même si je reconnais que le live, c’est trop bien.
En fait, l’idéal c’est vraiment ce cheminement : passer des heures en studio, faire ton morceau, et puis le jouer en live. A la fin de ça, t’es trop content.

 

  • Et justement, quels sont vos projets à venir ? EP, LP, album ?

J’ai un clip qui devrait sortir mi-décembre. Et là j’ai presque fini mon deuxième EP… mais pas de date de sortie officielle pour l’instant, je ne peux rien vous dire. Mais on jouera deux des morceaux de l’EP au concert ! En avant-première, c’est la première fois qu’on les jouera.
L’EP, que j’ai juste fini cette semaine, est vraiment différent du premier. Les Filles et la Mer était vraiment un coup d’essai, et quand je prends du recul maintenant dessus, je me dis qu’il aurait pu être mieux quand même.
C’était il n’y a même pas un an, mais il n’y avait pas les mêmes savoirs dans la composition déjà, et pas les mêmes moyens mis en œuvre. Là j’ai pris beaucoup plus de temps à le faire, et même s’il ne s’agit que de quatre morceaux, il est plus riche. Les thèmes ont changé aussi, bon, ça parle de cul du début à la fin. Il y a bien sûr Gainsbourg dans l’idée, mais c’est plus électro dans le genre (il y a un morceau, on dirait une BO de film de cul des années 70, avec une grosse ligne de basse, le saxophone), enfin c’est à peu près l’idée de cet EP-là. Il arrivera vers début 2019.

 

Par cette interview, le Louvr’boîte souhaite vous faire découvrir les artistes présents lors de la soirée de Noël à laquelle le BDE de l’Ecole du Louvre vous convie.
Merci à Gautier pour sa disponibilité.
Parce qu’il est aussi important de promouvoir, avec cette nouvelle scène française, la culture vivante qui nous entoure. Alors, bonne écoute !

 

Jeanne SPRIET

Quand Bob Morane raconte comment s’égarer dans la vallée infernale…

2018-11-25_122320

Parmi les histoires que j’ai découvertes durant mon cursus à l’école, le Voyage en Occident de Wijouji est l’une de mes préférées. En plus d’avoir inspiré le très bon manga Dragon Ball (bonjour les références en dissert’), ce texte narrant l’épopée du moine chinois Xuanzong parti en mission à travers l’Asie est aussi un pionnier de la littérature de voyage.

Ce genre conduit son auteur à raconter ce qu’il a vu, vécu et ressenti durant ses voyages à travers le monde. S’il romance parfois pour des raisons de fluidité, il privilégie la plupart du temps le réel à la fiction. Parmi les récits les plus connus, on peut bien évidemment citer Le Devisement du monde ou Livre des Merveilles qui raconte les voyages de Marco Polo à travers l’Asie jusqu’à la cour mongole de Kubilaï Khan à l’aube du XIVe siècle. Pour l’anecdote, le marchand vénitien dicte son ouvrage à Rustichello de Pise alors qu’il est prisonnier à Gênes après avoir participé à une guerre entre les deux patries (non, il ne pouvait pas se poser 5 minutes en rentrant de 26 ans de voyage). Ce récit a plus tard été diffusé grâce à l’imprimerie au sein de la communauté scientifique.

Avant même de parler de roman, l’écriture en elle-même possède une place importante durant les expéditions, souvent sous le format du journal de bord. Les explorateurs y notaient au quotidien leur position et l’ensemble des évènements du jour, qui pouvaient aller de la découverte d’une tribu ou d’une terre inconnue à la diminution toujours plus importante du stock de chocolat ou plus vraisemblablement d’eau emporté pour tenir durant le voyage (triste). L’ensemble de ces indications permet à la fois aux explorateurs de maintenir un cap et de garder la trace de leurs découvertes.

Le carnet de bord (et toute feuille volante plus ou moins bien rangée) est également un support idéal pour tracer des ébauches, voire de véritables cartes des côtes, des routes croisées, ou réaliser des croquis. Par exemple, Charles-Alexandre Lesueur, naturaliste du XVIIIe siècle originaire du Havre, a, lors de ses voyages, démontré ses talents de dessinateur en réalisant des aquarelles et autres croquis de l’ensemble des espèces qu’il a pu rencontrer avec une précision tout à fait incroyable.

À partir de toutes ces notes, les explorateurs rédigent leurs propres récits de voyage comme Louis Antoine de Bougainville, qui réalise son tour du monde entre 1766 et 1769. Il apporte notamment à la communauté scientifique et à son lectorat une connaissance de la géographie, de la faune, de la flore et des habitants d’Océanie, zone géographique jusqu’alors bien méconnue. Ce travail a pu être réalisé grâce aux membres de son expédition composée notamment d’un cartographe, d’un astronome et d’un botaniste.

Cependant, ce n’est qu’au siècle suivant que la littérature de voyage se popularise. Le XIXe siècle est marqué par la succession des révolutions industrielles, des évolutions scientifiques et techniques, qui permettent de voyager toujours plus vite, toujours plus loin, toujours plus haut, toujours plus fort, mais aussi de posséder des outils d’analyse plus performants. Grâce au chemin de fer et aux bateaux à vapeur, il est dorénavant plus aisé pour les scientifiques (et les particuliers !) de voyager. Ces progrès fulgurants trouvent leur illustration dans Le Tour du Monde en 80 Jours de Jules Verne. En plus de prouver qu’il est effectivement possible de réaliser un tour du monde en 80 jours (même si aujourd’hui, il suffit pour cela de passer 48h dans un avion), le voyage rocambolesque de Phileas Fogg montre la capacité de l’homme à voyager aisément où il souhaite et comme bon lui semble.

Ce roman est aussi le témoin de la popularité croissante d’un sous-genre : le voyage imaginaire. Si ce terme peut très bien désigner les voyages fantastiques à travers le temps ou les dimensions (mais cela s’éloigne trop du sujet de cet article), il comprend aussi les épopées inventées de toutes pièces. Ces œuvres ont eu un succès considérable auprès des lecteurs ainsi dépaysés à une époque où l’on se fascine pour les curiosités exotiques et scientifiques. En effet, les expositions universelles à partir de Londres en 1851 mettent à la portée du grand public ces cultures venues d’ailleurs, dont on n’avait jusqu’alors qu’un aperçu dans divers récits.

En outre, les aventures de Robinson Crusoé de Daniel Defoe ont donné lieu à un sous-genre dans la littérature de voyage, les Robinsonnades, qui ont pour sujet la survie d’un héros dans un milieu inconnu, sa manière de s’adapter, les techniques qu’il emploie, ses éventuelles rencontres avec des autochtones (un survival game en pleine nature quoi). Parmi ses héritiers, on compte Sa Majesté des Mouches de William Golding ou les œuvres de Michel Tournier, qui choisit carrément de reprendre le récit de Defoe dans Vendredi ou les Limbes du pacifique ou Vendredi ou la vie sauvage, adressé à un public plus jeune.

Grâce à ces évolutions sans relâche, l’homme dispose aujourd’hui d’une connaissance du monde qui, si elle n’est pas exhaustive, demeure vaste et accessible : pensons à Google Maps, dont les satellites ont cartographié quasiment chaque mètre carré de la surface de notre Terre. On pourrait croire que cette connaissance d’une précision extrême sonne la fin du merveilleux métier d’explorateur… Mais non. Car si l’époque de la cartographie fractale arrive à son terme, il reste encore de nombreux domaines à découvrir, appréhender et comprendre, dans le cadre de disciplines comme l’anthropologie. Et non, en spé, nous n’étudions pas que les citations de Gandalf le Gris, désolée de briser un mythe.

2018-11-25_122337

En effet, au même titre que l’astrophysicien dans un domaine plus éloigné des compétences enseignées dans cette école, l’anthropologue est un peu la nouvelle figure de l’explorateur du XXIe siècle. La discipline en soi date du XIXe siècle, mais l’ensemble des récits de voyages que j’ai eu l’occasion de citer dans cet article réalisent déjà une certaine forme d’étude de l’individu, toute subjective et incomplète soit-elle. Car oui : l’anthropologie est une science, et à ce titre, se doit d’être objective. Son pratiquant est contraint de se défaire de l’ensemble de ses préjugés lors de l’ethnographie de son terrain, c’est à dire le travail d’observation de la communauté qu’il étudie, le (ou les) lieu(x) où elle vit, ses activités quotidiennes ou particulières, et plus tard lors de son analyse.

L’anthropologie est une science du contemporain, puisque l’anthropologue étudie une communauté vivant pleinement dans notre monde en perpétuelle évolution. Si certains déplorent cette caractéristique, c’est à mon sens ce qui fait le charme de la discipline : on observe quelque chose d’éphémère qui paradoxalement s’ancre dans la continuité d’une tradition, qui possède son passé (pas forcément âgé de centaines d’années !) et son futur. Il faut savoir décrire le fait sur l’instant et le resituer dans un contexte englobant des champs considérablement variés allant de l’économie interne et externe à la communauté, aux techniques employées, aux coutumes…

Enfin, le travail de l’anthropologue est d’expliquer ses observations et ses conclusions à travers la rédaction d’articles ou d’ouvrages que l’on peut, par extension, lier au champ de la littérature de voyage. En effet, la publication de Tristes Tropiques a permis à Claude Lévi-Strauss d’être reconnu comme écrivain par le monde littéraire puisque l’ouvrage a presque été en lice pour obtenir le prix Goncourt, en plus d’être un pilier pour la communauté anthropologique.

Aujourd’hui, le sujet de voyage continue de fasciner les foules. Il suffit de rentrer dans une librairie pour constater la taille des rayons concernés, remplis d’ouvrages plus récents comme Ce qu’il advint du sauvage blanc de François Garde, Prix Goncourt du premier roman en 2012, qui s’inspire d’une histoire vraie pour mener une réflexion autour de l’idée d’oublier sa culture pour en adopter une autre, et sur la manière d’étudier un individu. Tout ceci prouve l’intérêt toujours actuel pour l’aventurier solitaire de parcourir la terre entière traquant avec espoir l’être humain et ses mystères, le secret de ses pouvoirs, pour enfin devenir le roi de la Terre et de le conter grâce à la littérature…

Chloé-Alizée Clément

Ek°Phra°Sis : murmures de paysages

british-columbia-3787200_1920.jpg

Âmes immuables aux confins des landes d’émotions, l’art de savoir exprimer les passions ou les douleurs demeure toujours une croisade pour les artistes aussi bien que pour nous autres, pauvres mortels. Comme un parfum du passé dansant à la cimaise de notre cœur ou la chatoyante mélodie d’un rire s’élevant un jour de fête, les événements et péripéties de notre destin sont toujours difficiles à dépeindre par des mots. Comment avouer l’inavouable ? Comment révéler des sphères de timide bonheur dans un limpide théâtre de lumière ?

L’enchantement est certain, quelques personnes en ont su apprivoiser le charme… par les fleurs ! Quoi de mieux que ces êtres sereins ourlés de dentelles colorées et de soieries fragiles pour dire à ceux que nous aimons ou dédaignons les choses qui refusent de franchir le seuil de nos mots ? Certaines personnes garderont les fleurs pour cristalliser le souvenir de l’être cher. Comment ne pas sourire en voyant ma mère dans notre jardin s’émerveiller devant la floraison des dahlias, fleurs que son regretté père adorait planter dans ses allées quand elle était petite… Comment ne pas savourer encore plus l’instant quand on sait que le dahlia signifie dans le langage des fleurs « Ton amour fait mon bonheur», comme si ma mère adressait une secrète lettre florale à mon grand-père disparu ?

Asseyons-nous un moment, timides lecteurs, dans les jardins de nos émotions les plus éclatantes comme les plus inavouées. À l’image de ma mère, il est fort probable que vous-mêmes ayez dans votre existence ressenti de telles émotions sans savoir les exprimer avec poésie, force et courage. Laissez-vous alors guider par les palpitations des pétales et plongez dans l’art du langage des fleurs, ekphrasis à la fois terrestre et délicate.

Pierre- Gustave STAAL - Félix et Henriette se promenant le long de l'Indre, gravure de 1871 - Domaine public

Pierre- Gustave STAAL – Félix et Henriette se promenant le long de l’Indre, gravure de 1871 – Domaine public

Dans Le Lys dans la Vallée qu’il fait paraître pour la première fois en 1836, Honoré de Balzac, fidèle amoureux incontesté de la Touraine, fait rencontrer sur les terres de la vallée de l’Indre qu’il chérit, le timide Félix de Vandenesse et la pure Henriette de Mortsauf. Le jeune homme, depuis sa plus tendre adolescence, voue une secrète passion, innocente et réservée à la douce châtelaine, déjà épouse et mère. Il la compare par ailleurs tout au long du roman à un lys. La blancheur de cette fleur révèle toute la pureté, la noblesse d’âme spirituelle et la tendresse maternelle de cette femme qui souffre tant intérieurement sans jamais pourtant le montrer. Balzac peint dans ce roman son amour de jeunesse pour Laure de Berny dans leur chère Touraine et c’est à travers ses mots qu’il la retrouve. Afin de déclarer sa timide passion à sa bien-aimée, Félix part alors cueillir chaque jour des fleurs afin de composer des bouquets, des tableaux floraux à la comtesse qui seule saura comprendre le message d’amour qu’ils délivrent :

« Aucune déclaration, nulle preuve de passion insensée n’eut de contagion plus violente que ces symphonies de fleurs, […]. Madame de Mortsauf  n’était plus qu’Henriette à leur aspect. Elle y revenait sans cesse, elle s’en nourrissait, elle y reprenait toutes les pensées que j’y avais mises, quand pour les recevoir elle relevait la tête de dessus son métier à tapisserie en disant: ―Mon Dieu, que cela est beau ! Vous comprendrez cette délicieuse correspondance par le détail d’un bouquet, comme d’après un fragment de poésie vous comprendriez Saadi. Avez-vous senti dans les prairies, au mois de mai, ce parfum qui communique à tous les êtres l’ivresse de la fécondation, qui fait qu’en bateau vous trempez vos mains dans l’onde, que vous livrez au vent votre chevelure, et que vos pensées reverdissent comme les touffes forestières ? […] Mettez dans un bouquet ses lames luisantes et rayées comme une robe à filets blancs et verts, d’inépuisables exhalations remueront au fond de votre cœur les roses en bouton que la pudeur y écrase. […] Au-dessus, voyez […] les pyramides neigeuses du paturin des champs et des eaux, la verte chevelure des bromes stériles, les panaches effilés de ces agrostis nommés les épis du vent ; violâtres espérances dont se couronnent les premiers rêves et qui se détachent sur le fond gris de lin où la lumière rayonne autour de ces herbes en fleurs. […] Du sein de ce prolixe torrent d’amour qui déborde, s’élance un magnifique double pavot rouge accompagné de ses glands prêts à s’ouvrir, déployant les flammèches de son incendie au- dessus des jasmins étoilés et dominant la pluie incessante du pollen, beau nuage qui papillote dans l’air en reflétant le jour dans ses mille parcelles luisantes ! Quelle femme enivrée […] ne comprendra […] cette blanche tendresse troublée par des mouvements indomptés, et ce rouge désir de l’amour qui demande un bonheur refusé dans les luttes cent fois recommencées de la passion contenue, infatigable, éternelle ? Mettez ce discours dans la lumière d’une croisée, afin d’en montrer les frais détails, les délicates oppositions, les arabesques, afin que la souveraine émue y voie une fleur plus épanouie et d’où tombe une larme ; elle sera bien près de s’abandonner, il faudra qu’un ange ou la voix son enfant la retienne au bord de l’abîme. »

La nature soupire et s’exhale dans la tendresse de Félix qui fait refléter dans ses

Dessin de bleuets - Anna Aubourg

Anna Aubourg – Bleuets

bouquets son innocente passion à la belle comtesse. Leurs promenades dans la vallée, contée avec une tendre poésie dans les chapitres de Balzac, révèlent toute l’ampleur de leurs émotions sur les sentiers fleuris des bords de l’Indre. Le paysage état d’âme s’y forge, s’y mêle, s’y déploie et s’y enivre avec délicatesse. C’est cette atmosphère que le graveur Pierre-Gustave Staal essaie ainsi de recréer dans ses dessins du Lys dans la Vallée, qu’il est chargé d’illustrer pour l’édition de 1871.

Aquarelle de coquelicots - Mauricette Denois

Mauricette Denois – Coquelicots

Si les artistes utilisent les fleurs pour s’exprimer, par un bleuet étoilé révélant l’amour timide mais fidèle ou par un fragile coquelicot gardien d’une éternelle passion à protéger, d’autres encore emploient plus largement toute la nature et tous les paysages pour métamorphoser leurs émotions. Quittons la douce vallée de l’Indre pour gagner les contrées paisibles et authentiques des Pays-Bas… Les paysages nordiques ont toujours eu leurs plus fervents admirateurs, louant l’usage de l’huile pour de merveilleux reflets et vaporeuses légèretés nordiques. En 1638, Rembrandt quitte ses autoportraits et gravures pour peindre son Pont de pierre, conservé aujourd’hui au Rijksmuseum à Amsterdam. La scène a priori baignant dans la quiétude de bateliers voguant sous un pont, se retrouve insidieusement en tension avec la nature l’entourant. L’orage approchant et la vive lumière dorée amenant l’arbre de l’arrière-plan en principal sujet, rappelle les êtres pris dans les bourrasques de l’existence qui parfois malmènent. Les nuages d’un gris profond, le pont semblant s’incliner le long de l’eau, le bain de lumière traversé par un vent plus soutenu amènent ainsi l’astucieux mélange de plus d’une émotion qui parlera différemment à chaque observateur de la toile. Or, ce paysage est une imagination de Rembrandt car les ponts en pierre ne sont que dans les villes alors que celui peint se trouve en pleine campagne. Le peintre y aurait-il inscrit ses invisibles sentiments du moment ?

 

Imprégnés de cette vision changeante, il est temps de vous proposer une ekphrasis terrestre face à cette nature hollandaise.

 

REMBRANDT - Paysage avec un pont de pierre - 1638 - Domaine Public

REMBRANDT – Paysage avec un pont de pierre – 1638 – Domaine Public

 

Si aux berges de l’âme s’érode l’erseau,

Qu’espère la tendre balbutie de l’ondée ?

Florescente ambre de feuillages, embrassant flots

Et nuées, sommeille lors la grège ventée…

 

Sont-ce encore par la pierre l’indécis,

Deux inversés regards, reflétés au ciel ?

Là s’enivre la barque sous le pont fidèle,

Pareil au doux seuil de sombres amours éclaircies…

 

Paisible coteau, es-tu la grande voûte

De mes blessés, arrachés souvenirs au doute ?

Ekphora, dois-je encore garder l’obscur voile ?

 

Cher inconnu, se lève l’aube en éphélides,

Dorant l’abside de mon désespéré lit…

Ekphora, dois-je alors ôter l’obscur voile ?

 

Laureen Gressé-Denois, « Reflets contrastés »

Notre mère la terre

IMG_7706Quel est le point commun entre un renard, un lapin et une taupe ? En-dehors du fait que ces animaux sont tellement adorables qu’on a envie de les adopter, ils vivent tous, à l’état sauvage, dans des terriers. Ces trous creusés dans la terre qui leur servent de maison. Et ils ne sont pas les seuls à vivre dans le sol : le hérisson s’y abrite pour l’hiver, le ver de terre y creuse des galeries (pas celles dans lesquelles vous pouvez trouver des œuvres d’art contemporain, exceptées celles de Daniel Spoerri), ou encore le lapin et le lièvre qui accouchent de leurs petits à l’abri des prédateurs. Tous ces animaux considèrent donc la terre comme un endroit assez accueillant et chaleureux pour en faire leur lieu de vie et leur refuge en cas de besoin.

Même si les humains ont quitté les cavernes et les abris depuis belle lurette pour finalement aller se nicher dans des appartements parisiens presque aussi petits que des terriers, il est intéressant de noter que ce rapport à la terre est toujours présent dans certaines de nos pratiques. J’en veux pour preuve l’inhumation des corps de nos défunts. En effet, il s’agit là d’un retour à la terre, un retour à la source de la vie et de notre existence. En mettant en terre ces corps, on boucle un cycle de vie qui se termine là où tout avait commencé, comme si l’on rendait à la terre ce qu’elle nous avait donné.

Malheureusement, on n’a que trop bien compris que la terre regorgeait de ressources et de bienfaits dont on peut profiter. Aujourd’hui, exit l’âge d’or où la terre nourricière abritait les êtres vivants et où ceux-ci pouvaient profiter de ses apports au gré de leurs envies. Aujourd’hui, on exploite la terre pour produire toujours plus de nourriture et alimenter une population toujours plus avide et consommatrice. Il suffit de claquer des doigts pour avoir ce que l’on désire. Pire qu’un enfant gâté dont on comble les moindres désirs. Comme un enfant qui tète sa mère jusqu’à l’assécher.

Pourtant, on commence à voir émerger des alternatives, des solutions qui permettraient de réduire cette exploitation. Si on reprend l’exemple de l’inhumation, au lieu d’investir des milliers d’euros dans un cercueil qui, en plus de nécessiter la destruction d’un arbre, va mettre une éternité à se dégrader, on peut maintenant investir dans des cercueils plus écolos (en carton par exemple) ou encore, le top pour un bobo-gaucho-bio-écolo du Ve arrondissement, dans une urne qui permet aux cendres humaines de servir d’engrais à un arbre. Et pour obtenir lesdites cendres de façon moins polluante qu’une crémation classique, on observe de plus en plus de nouvelles idées. Pour n’en citer qu’une, on peut se pencher sur le cas de la résomation : le corps du défunt est plongé dans l’azote liquide à -196°C, ce qui le rend friable. Une table vibrante le transforme ensuite en petites particules qui peuvent être placées dans une urne. Simple, basique, efficace et pas cher.

Alors pourquoi on ne décide pas tous de se faire enterrer pour renaître en arbre ? Pourquoi on n’arrête pas de vouloir toujours plus, toujours plus vite ? Pourquoi on ne mange pas tous bio ? Pourquoi on n’élève pas tous nos poules ? Pour la même raison que celle qui nous pousse à dire à nos parents que c’est à cause d’eux si on est débile (parce qu’ils nous ont refilé leurs gênes) : parce qu’il est bien plus facile de rejeter la faute sur autrui et de dire que comme on est né dans une société de consommation, c’est un modèle qu’on ne peut pas changer. Sauf qu’il va très vite falloir du courage si on veut encore pouvoir dire « je t’aime » à notre terre.

Viena

Louvr’Boîte Hors Série Révisions / Gala / Eté 2018

J-2 : la tant attendue surprise !

Plus que deux jours avant le Gala de l’Ecole du Louvre 2018 sur le thème des Routes de la Soie. Votre dévoué Louvr’Boîte vous a préparé un extraordinaire numéro Hors-Série Révisions / Gala / Eté 2018 pour l’occasion !

En effet, suite à des problèmes d’impression dont nous nous excusons sincèrement, le numéro n’a pas pu être imprimé en temps et en heure et ne pourra même pas être imprimé du tout…

Pour nous faire pardonner, nous vous offrons la version numérique de ce numéro exceptionnel ! Retrouvez aussi en exclusivité sur le même site L’INTÉGRALITÉ de nos numéros depuis la fondation du journal en 2009. 45 numéros, 7 hors-série, de quoi remplir votre été en vous perdant dans les archives de votre magazine adoré 

 

Sans titre.png