Top 7 des mots sans équivalent français les plus incroyables

Ce numéro Création méritait une petite incursion du côté du langage. Il m’offre l’occasion de parler de l’inédit, de l’inattendu, du bizarrement pensé : des mots intraduisibles. Il existe en effet une kyrielle de noms, verbes ou adjectifs sans équivalents en français. Ces termes aussi étranges qu’étrangers nous prouvent que quelques lettres peuvent faire émerger tout un monde de représentations mentales. À chaque mot, c’est un pan inconnu d’un nouvel imaginaire collectif qui se dévoile, avec parfois de belles surprises conceptuelles. Place à un petit top !

1) Les moustaches en albanais
Plutôt big (moustache en guidon) ou glemb (à pointes effilées) ? La moustache constitue en Albanie un véritable art traditionnel ! Un petite incursion internet vous prouve que même le roi d’Albanie Zog Ier soignait particulièrement sa holl (ou moustache fine), c’est dire… Une belle vingtaine de mots lui sont rattachés, tels varur (la moustache tombante), madh (la moustache bien fournie), ou encore kacadre (la moustache aux pointes retroussées).

2) La sprezzatura italienne
Groupies de Baldassare Castiglione, bonsoir ! La sprezzatura, c’est cet art de la nonchalance feinte, du parfait naturel, de la flatterie courtisane qui semble s’ignorer, théorisée par ce monsieur, diplomate, nonce du pape et ami de Raphaël, dans son ouvrage Le livre du courtisan. Les artistes de la Renaissance eux-mêmes s’attachaient fortement à ce principe : d’après les Vies de Vasari, Michel-Ange aurait brûlé certains dessins de jeunesse afin de cacher le labeur cumulé de ses années d’apprentissage.

3) Mamihlapinatapai
Mamihlapinatapai est tiré du yagan de la Terre de Feu (comprendre : d’un dialecte amérindien dont les locuteurs résident dans l’archipel à l’extrême sud de l’Amérique du Sud, divisé entre le Chili et l’Argentine). Le terme a été repris dans le Guinness Book de 1994 comme le mot le plus succinct, et désigne l’état de deux personnes qui s’envisagent et attendent chacune que l’autre fasse le premier pas, sans qu’aucune des deux n’ose elle-même le poser. Personne ne vous en voudra de ne pas connaître le yagan, car il ne subsiste aujourd’hui dans le monde plus qu’une seule locutrice de cette langue, Cristina Calderón, une situation à tel point exceptionnelle que l’UNESCO a déclaré la dame de 93 ans “trésor humain vivant” en 2009.

4) Bakwe, ou la cigarette philippine
Les Philippines connaissent une fois par an ce que l’on appelle la saison des pluies (aka varsha en hindi). Mais comment faire alors pour s’en griller une si le ciel n’est pas très clément ? Le kapampangan, langue parlée dans une île de cet État, a la solution : bakwe. Bakwe, c’est l’art de fumer sa cigarette avec le bout allumé dans la bouche, afin de se réchauffer un peu le palais, et de profiter d’un petit plaisir pas totalement trempé…

5) Shibui, ou la contemplation de la salade de fruits
Comment résumer un sentiment esthétique empreint de suranné comparable au goût d’un kaki pas encore tout à fait mûr qui engourdit la langue ? Prenez l’adjectif shibui. Le kanji pour l’écrire signifie “astringent”, et se retrouve notamment dans le mot “grimace”. Shibumi est le nom commun dérivé de shibui, et désigne le fait d’avoir un sens esthétique posé et affirmé, avec pourquoi pas un côté un peu vieux jeu, acide ou suranné. Le terme se rattache parfaitement à l’esthétique wabi-sabi, qui promeut une beauté simple et rustique, pas forcément dénuée d’imperfections.

6) La marche en shona
Pour une raison que mes recherches n’ont pas pu élucider, il existe une petite dizaine de verbes pour désigner en shona, langue parlée principalement au Zimbabwe, le fait de marcher ! Que vous préfériez marcher à petits pas (tabvuk), avec une robe très courte (pushuk), pieds nus (dowor) ou même en tenue d’Adam (shwitair), il y a des verbes pour tous les goûts !

7- Le café suédois
Les confinements nous ont révélé que les cafés et bars constituaient en France de véritables institutions sociales, mais nous sommes de petits joueurs comparés aux Suédois ! Fika désigne en effet tout spécialement pour eux la pause café accompagnée de sucreries que l’on prend avec ses amis, et qui constitue un vrai rituel social… Le café est dans ce pays une telle institution qu’il a donné naissance à tout un champ lexical, avec des verbes comme tretar (comprendre : se servir son café pour la troisième fois dans la même tasse). Moins de convivialité chez nos amis finnois, qui ont tout de même un mot désignant spécifiquement le fait de se soûler tout seul chez soi en caleçon (alias kalsarikännit).

Marie Vuillemin

Pour partir à la rencontre d’autres mots inconnus mais incroyables, jetez un œil à la petite pépite nommée Les mots qui nous manquent, écrite par Yolande Zauberman et Paulina Mikol Spiechowicz (Ed. Calmann-Lévy).

Petite histoire de la sérendipité

Quel point commun entre de la dynamite, des Post-it, une part de tarte tatin, un micro-ondes, le LSD, le Viagra, le nutella, le Coca Cola, le stéthoscope, la gomme, le Téflon, la vaseline, la grotte de Lascaux, la pénicilline de Fleming et Christophe Colomb ?

Il est possible de résumer cette longue énumération de mots qui nous sont à la fois indispensables et familiers en un seul : la sérendipité.

Cette petite chose à première vue anecdotique, qui consiste à faire preuve de « sagacité accidentelle », est bien plus présente dans nos vies qu’elle pourrait en avoir l’air, et il ne faut donc pas la sous-estimer. Cependant, peut-on aller jusqu’à affirmer que la sérendipité est un moyen de Création ? Question délicate, qui demande de rejouer quelques exemples de ce concept, et même de retracer le chemin parcouru par ce petit mot pour voir à quand remonte sa création… par sérendipité.

Le terme « sérendipité » français vient en fait de l’anglicisme serendipity inventé le 28 janvier 1754 par Horace Walpole dans une lettre adressée à son lointain cousin Horace Mandans. Il lui raconte ses impressions à propos d’une lecture récente, intitulée Les Trois Princes de Serendip, conte oriental traduit en français depuis le persan par le chevalier Mailly. Cependant, Mailly tronque légèrement les faits puisque sa traduction s’appuie sur une version italienne du conte du XVIe siècle, de Christophe l’Arménien: Peregrinaggio di tre giovani figliuoli del re di Serendippo. Christophe l’Arménien affirme lui-même avoir transcrit ses dires du persan, mais nous n’en gardons aucune preuve, et il faut garder à l’esprit que l’histoire contée est un motif mythologique retrouvé chez de nombreuses civilisations, comme les Hébreux, les Indiens, les Hongrois, les Danois et bien d’autres, y compris des auteurs comme Voltaire.

Les Trois Princes de Serendip met en scène les fils du roi-philosophe de Serendip (ancien nom utilisé par les Arabes pour désigner l’actuel Sri Lanka, « l’Île Fortunée ») qui doivent parcourir le monde pour parfaire leur éducation. Ils rencontrent un chamelier sur les terres de l’empereur Behram. Celui-ci a perdu ses chameaux. Les fils lui décrivent précisément l’animal sans même l’avoir vu : la bête est boiteuse, porte du miel et du beurre et il lui manque une dent.  En effet, les frères, qui possèdent un grand sens de l’observation et de la déduction, avaient noté tous les indices permettant cette description détaillée, impressionnant le chamelier et son roi. À partir de là, les trois princes offrent leurs services à Behram, qui leur donne plusieurs missions.

La sérendipité désigne donc le don ou la capacité intellectuelle à faire fructifier un événement imprévu.

Cet imprévu survient toujours accidentellement. Par accident, on comprend généralement une connotation négative qui convient parfois mal aux heureux découvreurs, promis à la gloire et à la postérité. 

Pourtant, c’est bien un accident qui ôte la vie au frère d’Alfred Nobel : il meurt suite à une explosion de nitroglycérine. Cela n’empêche pas Alfred Nobel de faire tomber ladite substance dans de la sciure, pour réaliser… qu’elle n’explose pas. C’est l’invention de la dynamite, dont le brevet est déposé en 1867. 

De même, en 1968, Spencer Silver invente une colle peu adhésive : échec très décevant, puisque le chimiste fait partie d’un programme de recherche depuis 4 ans sans résultat concluant. Cependant, en 1974, l’invention est reprise par son collègue, chef de chœur d’église sur son temps libre, pour accrocher ses feuillets de chant. Les post-it commencent à être commercialisés à partir des années 1980.

Les découvertes par sérendipité peuvent être aussi plus anodines, voire même comiques. Ainsi, le Viagra était censé soigner les maladies cardiaques, et notamment l’angine de poitrine. Quelle ne fut pas la surprise des cliniciens, quand ils constatèrent un effet secondaire providentiel…

En outre, que ferions-nous aujourd’hui sans notre fidèle micro-ondes ? Cet outil, considéré comme indispensable pour tout étudiant et, finalement, tout pressé ou flemmard qui se doit, est créé involontairement par Percy Spencer en 1945. Il avait oublié une barre de chocolat dans sa poche alors qu’il travaillait sur un des composants d’un radar. Celle-ci finit par fondre, et quand l’ingénieur s’en rend compte, il comprend qu’il a découvert une nouvelle propriété prometteuse. 

Ainsi, nous pouvons facilement admettre que la sérendipité est un moyen de découverte efficace, et même puissant. Elle met en avant l’importance de l’erreur, et concerne surtout le monde scientifique. C’est en associant intuition, observation et imagination que la sérendipité peut naître. N’est-ce pas le terreau de toute création ? Il apparaît donc que la sérendipité est bien créative, et qu’elle est même une des principales sources de création.

Néanmoins, il est important d’apporter une nuance à la prétendue toute-puissance de la sérendipité : toutes les légendes contées ici en sont réduites à leur nom : des faits subjectifs, quelques fois non prouvés ou ayant été relatés tellement de fois qu’elles en ont perdu leur sens premier. Finalement, pourquoi les inventions citées mettent-elles en œuvre le plus souvent un héros unique ayant un déclic brutal, dans un contexte originel désintéressé ? Il faut savoir démonter les stéréotypes. C’est ce qu’explique Margaret Rossiter et son effet Matilda par exemple. Cette théorie est basée sur celle de l’effet Matthieu (on a tendance à oublier l’entourage du découvreur dans l’histoire de la découverte), mais considère que cet effet occultant est démultiplié quand il s’agit de femmes. L’histoire des découvertes laisse encore beaucoup de mystères à élucider.

Solène Roy

Sources principales :
– Site de l’Académie française / article post interview de Sylvie Catellin auteure de Sérendipité. Du conte au concept article de Robert Maggiori, 2014, Libération
– AlterNego, article de Valentine Poisson
– France Culture, “L’effet Matilda, ou les découvertes oubliées des femmes scientifiques”, de Pierre Ropert

Accidents créatifs

Beaucoup de choses ont été créées par accident, peut-être même vous. Ce n’était pas voulu, mais c’est une belle erreur. Dans cet article je vous propose de revaloriser vos ratés en découvrant par quel hasard certains produits que nous connaissons bien ont été inventés. Bonne lecture.
INFO : d’après le Larousse, le terme « sérendipité » désigne : « la capacité, l’art de faire une découverte, scientifique notamment, par hasard. » Je vous renvoie à l’article « Petite histoire de la sérendipité » par Solène Roy.

Légende de la chips :
Au milieu du XIXe siècle, George Crum était cuisinier au Carey Moon Lake House, un restaurant situé face au lac Saratoga, à Saratoga Spring dans l’État de New York. Un jour qu’il travaillait, un client se montra particulièrement exigeant en renvoyant plusieurs fois son plat de pommes de terre frites car il les voulait plus croustillantes et plus fines. George Crum ne se le fit pas dire deux fois. Dans la colère, il coupa le légume si finement que lorsque les tranches furent frites et bien salées, la chips était née. Le client fut satisfait et aujourd’hui encore, la chips reste l’un des plus glorieux ratés.

Fleming et la pénicilline :
Alexander Fleming était un biologiste britannique né en 1881. A l’été 1928, il quitta son laboratoire et partit en congé, laissant derrière lui les restes de ses expériences sur la création d’un « médicament miracle » qui n’avançait pas. À son retour quelques semaines plus tard, il constata qu’une des boîtes de Pétri contenant des staphylocoques était parsemée de bactéries sauf à l’endroit où s’était formée de la moisissure. Après l’avoir analysée, il découvrit que cette forme rare de Penicillium notatum était capable de sécréter un liquide qui avait tué plusieurs chaînes de bactéries mortelles. Il comprit vite que cette découverte était remarquable. Pourtant, sa publication passa inaperçue. Ce n’est que des années plus tard qu’un certain Howard Walter Florey, pathologiste australien, prit connaissance de l’article de Fleming en feuilletant de vieilles revues médicales. Aidé du biochimiste Ernst Boris Chain, il s’intéressa aux effets thérapeutiques du fameux liquide et en 1941, administra la pénicilline à un patient pour la première fois. Les résultats furent spectaculaires. Cette avancée médicale valut un prix Nobel aux chercheurs Fleming, Florey et Chain.

La tarte Tatin ou tarte ratée :
Les sœurs Stéphanie et Caroline Tatin tenaient un restaurant à Lamotte-Beuvron en Sologne, à la fin du XIXe siècle. L’établissement était un repère pour les chasseurs du coin. Un dimanche d’ouverture de la chasse, alors que Stéphanie préparait une tarte aux pommes, elle oublia de placer la pâte dans le fond de son plat. Pour rattraper son erreur, elle décida de la rajouter sur le dessus de sa pâtisserie et de laisser le tout cuire au four. C’est ainsi que l’étonnant gâteau serait devenu la spécialité locale. Cependant, d’après le Grand Larousse Gastronomique, il ne s’agit que d’une légende. Le dessert serait en réalité une vieille spécialité solognote, qui n’est pas le fruit d’une erreur, et qui aurait simplement été démocratisé par les sœurs Tatin à Lamotte-Beuvron.

George de Mestral et le velcro :
En 1941, George de Mestral était parti faire une randonnée dans les Alpes accompagné de son chien Milka. Au retour de cette balade, il remarqua que ses habits et le pelage de son compagnon étaient couverts de Bardane. Cette herbe vivace produit des fleurs pourprées et ses fruits, munis de crochets, s’accrochent aux poils ce qui assure la dispersion des graines. L’histoire aurait pu s’arrêter là, mais Georges de Mestral était un inventeur né, il avait la capacité de voir le potentiel dans les choses de la nature. Il s’est donc intéressé à cet efficace système de fixation et a découvert que le fruit de la bardane est recouvert de crochets qui s’accrochent naturellement aux boucles microscopiques formées par les pelages et vêtements. Inspiré par la plante, il a donc créé le premier système de fixation à crochet et à boucle du monde, nommé Velcro ou encore scratch, en utilisant du nylon.

Anouk Hubert

Interview de Françoise Mardrus !

A l’occasion du nouveau mandat de Laurence des Cars et de l’annonce de la reprise du projet pour la constitution d’un nouveau département des Arts de Byzance et des chrétientés d’Orient au musée du Louvre, Françoise Mardrus, professeure à l’Ecole du Louvre et directrice du Centre de recherches Dominique-Vivant Denon, nous aide à comprendre les enjeux et le processus de création d’un projet d’une telle ampleur.
Voici donc la suite de l’interview disponible sur notre numéro création.

Vous enseignez également l’histoire des collections à l’Ecole du Louvre en premier cycle. Aviez-vous déjà ce type de cours à votre époque ou avez-vous créé cette matière ?

Non pas du tout. Il existait un cours sur l’histoire du Louvre donné par Pierre Quoniam, inspecteur des musées, qui fut associé au projet Grand Louvre à ses débuts. C’est seulement à cette époque que nous avons ouvert des espaces sur l’histoire du Louvre avec Geneviève Bresc-Bautier et qu’elle m’a confié ces cours à l’École sur l’histoire du Louvre. Je lui en suis très reconnaissante. Mes premiers cours étaient en duo avec Edouard Pommier, directeur de l’inspection des musées de province à la Direction des musées de France, qui a également été un de mes professeurs à l’École sur l’histoire des musées en région. Quand il est parti à la retraite, il y a une quinzaine d’années environ, j’ai repris l’ensemble des cours sur l’histoire des collections en insérant le Louvre dans une histoire plus globale, européenne et internationale. C’est encore une fois une histoire de filiation.

L’enseignement, c’est la mise en perspective des missions concrètes menées au musée. Mon expérience acquise au cours du projet du Grand Louvre m’a donc permis d’enseigner et j’ai mené de concert l’enseignement jusqu’à aujourd’hui et la coordination des grands projets du musée jusqu’en 2013, au départ d’Henri Loyrette. 

Dans l’histoire des collections du Louvre, les différents départements jouent un rôle essentiel : le département des Arts de l’Islam a été créé en 2012 et celui des Arts de Byzance serait en construction. Quelles sont donc les différentes étapes de la création d’un nouveau département dans un musée tel que le Louvre ?

La création des départements est une notion administrative propre à l’histoire du Louvre et qui se fonde dans le courant du XIXe siècle. Déjà en 1849, le peintre Philippe-Auguste Jeanron avait eu cette idée de créer des départements qui auraient un vrai périmètre administratif tout autant que territorial dans le musée du Louvre.  Mais c’est vraiment sous la Troisième République que les départements vont se développer tels qu’on les connaît aujourd’hui par techniques pour les arts occidentaux (peintures, dessins, sculptures et objets d’art) et par aires géographiques pour les civilisations antiques. Puis, au cours du XXe siècle et jusqu’à aujourd’hui, le musée n’aura de cesse de reconsidérer le périmètre de ses collections. 

Les départements du musée ont un poids scientifique important car sans les collections dont ils ont la charge il n’y a pas de musée. Le personnel scientifique des départements n’est pas le plus nombreux mais il est celui qui fait en sorte que l’on puisse organiser des expositions, des médiations pour le public, d’avoir une activité culturelle tout simplement. C’est le fondement de l’institution depuis ses origines. 

Créer un département est donc toujours une décision qui va mettre en balance le souci scientifique, le souci économique et le souci du fonctionnement de l’institution. À partir du moment où vous créez un nouveau département, vous avez besoin de personnel. Donc il faut créer ces postes ou redéployer ceux déjà existants. C’est donc un choix lourd de conséquences car c’est une affectation budgétaire complémentaire qui vient peser sur la balance « fonctionnement-investissement » de l’institution.

Quand l’établissement public du musée du Louvre a été créé avec le statut d’établissement public administratif de l’État (EPA) en décembre 1992, un décret a permis d’inscrire les missions de l’établissement et de lister les départements du musée. A cette occasion, le cabinet des dessins, longtemps rattaché aux Peintures, est officiellement devenu le département des Arts graphiques. 

Ensuite certains départements concernés par la création d’un nouveau département ne souhaitent pas toujours faire sortir leurs chefs-d’œuvre pour des raisons muséographiques par exemple. Les conservateurs ont tous un poids scientifique et cela mène à des débats, des discussions entre départements. Et lorsque l’architecte vient demander le programme des œuvres à exposer pour le projet, il faut avoir partagé les collections pour pouvoir commencer à réellement se projeter. La création d’un département est finalement un cheminement, une réflexion qui prend souvent ses sources jusqu’à quarante ans en amont au Louvre.

Vous dites avoir participé à la création du département des Arts de l’Islam. Pouvez-vous nous expliquer ce grand projet plus en détails ? Quelles ont été ses origines ?

La prise en compte d’une civilisation avec un large territoire et une grande culture s’est faite progressivement. Auparavant, les objets des Arts de l’Islam étaient appréciés en tant qu’objets d’arts décoratifs, vus au travers d’une vision orientalisante et compris du point de vue.

Dès la période du Grand Louvre, de nombreux questionnements se sont posés autour des Arts de l’Islam, des Arts de Byzance et de la fin du monde antique autour de la Méditerranée en général. Nous avons choisi de travailler d’abord sur les Arts de l’Islam car la section existait déjà dans le musée, rattachée aux Antiquités orientales. C’était plus évident. À l’époque du Grand Louvre, l’Institut du Monde Arabe venait d’être inauguré et nous déposions nos objets chez eux alors que nous étions en train de créer vingt mille mètres carrés d’espaces neufs dans l’aile Richelieu. Il y avait donc une idée à développer autour de ces objets que Michel Laclotte a mise en œuvre. La section des Arts de l’Islam a donc gagné de la surface au sous-sol de l’aile Richelieu, avec l’apport d’un petit millier de mètres carrés dans les caves du ministère des Finances. C’était donc déjà une première phase de reconnaissance que de rendre autonome une surface du palais pour ces arts spécifiques. À la suite de cela, la création d’un véritable département avait toute sa légitimité. 

Lorsqu’il a été question de concevoir un département des Arts de l’Islam sur la proposition d’Henri Loyrette, le président de la République Jacques Chirac a acté la création du département lors d’un discours à Troyes le 14 octobre 2002. Cependant la décision politique n’entérinait pas la reconnaissance administrative du département. Pour ce faire, il fallait modifier le décret de l’établissement public pour officialiser un huitième département, ce qui a été fait deux ou trois ans plus tard. Il n’y a presque pas eu à créer de nouveaux postes. La section, déjà existante, a été rendue autonome avec un budget dédié. Un directeur de département a été nommé, Francis Richard, auquel succéda Sophie Makariou, actuelle présidente du musée Guimet, qui porta le projet muséographique des nouveaux espaces.

Inaugurés en septembre 2012, les nouveaux espaces du département des Arts de l’Islam dans la cour Visconti sont ouverts sur deux milles mètres carrés. Sa création offrait donc au département une présence administrative mais aussi physique et culturelle dans le palais du Louvre. 

Aujourd’hui c’est une chance d’avoir un département qui a sa raison d’être, où l’on reconnaît aussi à ces collections leur périmètre extrêmement large de production, de diffusion et de diversité. C’était une reconnaissance légitime et nécessaire pour enrichir la vision d’une histoire universelle du Louvre. 

Vous avez dit précédemment n’être plus coordinatrice des projets du musée du Louvre depuis 2013. Vous n’êtes donc pas impliquée dans le projet du département des Arts de Byzance cette fois-ci ?

Non pas du tout. En 2013, Jean Luc Martinez a pris la tête du musée et m’a confié la création du Centre Dominique-Vivant Denon, un centre de recherche sur l’histoire du Louvre et de son institution. 

Vous travaillez donc désormais seulement sur ce Centre en plus de votre enseignement à l’Ecole du Louvre ?

Complètement. En 2016 nous avons pris la place de la Bibliothèque centrale des musées nationaux dont le fonds est parti à l’INHA. Historiquement, cet endroit, situé à la Porte des arts dans la Cour carrée était celui où se trouvaient les bureaux des conservateurs pendant un siècle et demi. Cette bibliothèque créée sous le Second Empire était un espace que le plan Verne dans les années 1930 a rénové et agrandi.  

L’idée d’un département pour les Arts de Byzance est-elle nouvelle ou a-t-elle également pris ses racines au moment où la nécessité d’un département pour les Arts de l’Islam s’est imposée ?

La question de Byzance s’est posée dès le début. Il y avait déjà eu des velléités de créer un département pour les arts paléochrétiens au XXe siècle. 

C’est un parcours intellectuel à peu près semblable dans la mesure où c’est bien à l’époque du Grand Louvre que la période de la fin du monde antique a été mise en avant par les trois départements concernés. Ils étaient d’accord dans l’idée qu’il y avait probablement des espaces muséographiques à développer autour de cette période et de ce territoire géographique. De plus, à l’occasion du Grand Louvre, de nombreux espaces ont été libérés, leur permettant de mener à bien ce projet. Cette notion de « fin du monde antique » est donc devenue une évidence et la question de Byzance s’est posée, ainsi que celle de son rayonnement artistique. La principale interrogation était de trouver un emplacement adéquat dans le musée et il a été finalement trouvé dans l’aile Denon, autour de la cour Visconti mais d’abord sans Byzance et sans les Arts de l’Islam. 

Nous avions au départ plusieurs points de questionnement concernant l’art copte, présence d’un art chrétien en Egypte, qui est singulier dans le département égyptien, et l’Égypte romaine. L’Egypte ptolémaïque était exposée depuis 1997 dans les salles Charles X. Nous avions également réfléchi à la nécessité d’inclure les arts de Byzance dans ces arts de la fin du monde antique et des premiers temps chrétiens en Orient, au moins le Vase d’Emèse et la mosaïque de Qabr Hiram du département des Antiquités grecques, étrusques et romaines. Enfin, il avait été question de rapprocher Palmyre et les cités caravanières de ce projet. Il fallait cependant déterminer une fin et une limite géographique spécifiques. Finalement, nous n’avons pas réussi à avoir une discussion élargie où Byzance et le développement du monde chrétien en Orient aurait été intégrée dans ce parcours aux côtés des autres civilisations. 

Donc si l’idée a commencé à germer dans les années 1980, cela ne s’est pas fait tout de suite. D’ailleurs, Henri Loyrette avait repris le projet à la suite de l’ouverture des Arts de l’Islam.  

Laurence des Cars a donc bien repris ce projet ? L’ouverture d’un tel département dans les années à venir est – elle bien engagée ?

Je m’avance mais ce qui est annoncé par la direction du musée c’est la création d’un conseil scientifique de préfiguration que Jannic Durand, le directeur du département des Objets d’arts, présidera, puis viendra le recrutement du directeur de la préfiguration du département qui devrait se faire dans les mois qui viennent. Il aura pour mission de définir le projet scientifique et culturel tout autant que le périmètre muséographique des collections pour mener à bien le projet jusqu’à son inauguration, prévue en 2025. Il faudra également intégrer les besoins humains et financiers pour commencer à recruter ou redéployer le personnel nécessaire. Il y aura bien une cellule de préfiguration en attendant que la création du département soit officialisée administrativement.

Est-ce que ce nouveau département va modifier le paysage du Louvre comme l’a fait le département des Arts de l’Islam ?

On ne sait pas encore. La logique voudrait qu’il se place entre la fin du monde antique et les Arts de l’Islam donc dans l’aile Denon pour avoir une certaine continuité mais cela va être un vrai questionnement. Il y aura très probablement un concours pour l’aménagement muséographique. 

Comment va se constituer le département ? Le musée possède-t-il beaucoup d’objets en rapport avec les Arts de Byzance et des chrétientés d’Orient ?

Les collections du musée du Louvre constituent un des tous premiers ensembles sur le plan international. Exposées dans pas moins de douze salles et sur trois étages, nous avons des œuvres acquises séparément par les huit départements du musée. Le Louvre expose aujourd’hui des œuvres de toutes dimensions et techniques mais déconnectées de leur contexte géographique, historique et culturel d’où la volonté de créer ce nouveau département. D’autres sont en réserve dans les différents départements.

Henri Loyrette prévoyait d’aller jusqu’à la Russie orthodoxe en réunissant la collection d’icônes que possède le Louvre. Aujourd’hui je ne sais pas où les bornes sont ou seront placées.

Propos recueillis par Cassandre BRETAUDEAU

Le lembas

Pour ce numéro « Salé », j’ai souhaité faire découvrir à de jeunes novices de l’œuvre de Tolkien l’un des aliments les plus connus de son œuvre (ou rafraîchir les mémoires des initiés de ce grand univers).

Notre petit article prend donc ses racines dans l’œuvre la plus complète de Tolkien : le monde fantastique de la Terre du Milieu que je vous invite (si ce n’est pas déjà fait) à découvrir dans les livres et l’adaptation filmographique de la trilogie du Seigneur des Anneaux. Cet homme, écrivain, professeur de lettres et poète, a imaginé tout un monde et son histoire pour soutenir les différentes langues fantastiques qu’il avait créées (comme les langues elfiques du quenya ou du sindarin). Pour la petite anecdote, le monde de la Terre du Milieu, dans l’esprit de J.R.R Tolkien, n’est que le récit de temps anciens menant aux périodes historiques que nous connaissons déjà. L’écrivain désirait créer toute une nouvelle mythologie du début des temps pour l’Angleterre, la patrie où il a le plus longtemps vécu (il est né en Afrique du Sud !).

Je souhaitais m’attacher à redonner toutes ses lettres de noblesse à un aliment très populaire de l’œuvre de Tolkien depuis l’adaptation filmographique de Peter Jackson : le lembas. Le lembas est un mot sindarin qui signifie « pain de Route ». Il était en effet fabriqué pour les expéditions et les voyages car c’est un pain fortifiant et revigorant qui, en plus de sa propension à être extrêmement nourrissant, peut rendre de la vigueur et effacer la fatigue. Il nourrit autant l’âme que le corps, et aide à conserver la volonté d’avancer même devant des obstacles ou des distances pouvant sembler insurmontables. 

Le lembas est un pain de fabrication elfique et, parmi ce grand peuple, seules les reines avaient le pouvoir de le conserver et de le donner si elles en jugeaient la nécessité. C’est ainsi que lorsque la Communauté de l’Anneau, constituée des principaux protagonistes du « Seigneur des Anneaux », se rend en Lothlórien, une forêt elfique, la dame Galadriel, sa gardienne, décide de leur offrir dans sa grande sagesse du lembas. Ce cadeau s’avère être déterminant pour la suite de l’histoire car il permet à deux des héros de survivre dans des terres arides et désolées ainsi qu’à deux autres de trouver le courage et la force de se libérer de leur captivité. 

A l’origine, le lembas fut créé par la Valië Yavanna, l’équivalent d’une déesse dans l’univers de la Terre du Milieu. Yavanna est la créatrice de toute la faune et de la flore de ce monde. Elle créa ce pain alors que les premiers Elfes devaient effectuer un grand exode de l’Est de la Terre du Milieu jusqu’à ses rivages Ouest (plongés sous les eaux au moment des livres et des films du Hobbit et du Seigneur des Anneaux et donc non visibles sur les cartes). La déesse se serait servie de grains de maïs ne poussant qu’en Aman, la terre des dieux. 

Cette préparation n’était connue que par certaines femmes elfes initiées spécialement par Yavanna elle-même. Elles seules pouvaient toucher le grain du lembas avant que celui-ci ne soit achevé. On les appelait les Yavannildi, les jeunes filles de Yavanna en quenya, une des principales langues elfiques avec le sindarin.  

Le lembas est donc essentiellement connu et vulgarisé par les quelques scènes d’humour mises en scène à l’écran par Peter Jackson et qui ont accentué sa popularité. Pourtant ce pain n’est pas qu’un gag de plaisanterie facile mais un élément important des plus connus des récits de J.R.R Tolkien et également une preuve très précoce de l’alliance entre les dieux et les Elfes, une alliance qui sera longue et parfois mouvementée entre ces deux parties et qui est à la base de la plus grande œuvre sur cet univers : le Silmarillion.

Pour finir, je n’aurais donc qu’un conseil à l’approche des vacances de Noël : plongez-vous (ou replongez-vous) dans l’incroyable œuvre du professeur Tolkien !

Crédit image : Pixabay, image posté par paxillop.

Cassandre BRETAUDEAU

Salière de Cellini

Carte d’identité :

  • Nom de l’œuvre : Salière de Cellini,
  • Artiste : Benvenuto Cellini
  • Date d’exécution : entre 1539 et 1543
  • Matériau : or, ébène et ivoire
  • Dimensions : 26,3 x 21,5 cm
  • Commanditaire : François Ier
  • Localisation : Musée d’Histoire de l’art de Vienne

Sur une base d’ébène de forme ovale ornée d’un décor en émail, qui repose sur quatre petites boules d’ivoire permettant de faire rouler la salière sur la table, deux sculptures en or massif se font face. D’une part, la Terre, figurée par Cybèle entièrement nue, trône sur un animal allégorique et appuie sa main gauche sur son sein. D’autre part, Neptune, dieu de la mer, est porté par des chevaux à la crinière d’or et il tient un trident auprès d’une barque, conçue pour recevoir le sel. Quant au socle, il contient des figurles émaillées qui symbolisent les quatre saisons et les quatre moments de la journée (l’aurore, le jour, le crépuscule et la nuit).

L’œuvre est chargée de symboliques en lien avec la nature omniprésente du style maniériste : la montagne et les plaines à travers la courbe des jambes de Cybèle ; le lieu de naissance du sel entre la terre et la mer, avec l’entrecroisement des jambes des deux protagonistes.

Benvenuto Cellini (1500, Florence – 1571, Florence), était un orfèvre, sculpteur, fondeur, dessinateur et écrivain de la Renaissance. Élève de l’orfèvre Michelangelo Brandini, puis de Marconi, il est exilé quelques années plus tard, suite à diverses altercations. Il voyage alors entre différentes villes italiennes (Bologne, Pise…), avant de s’arrêter à Rome entre 1522 et 1540, tout en retournant plusieurs fois à Florence, pour régler ses problèmes avec la justice. Il est complètement libéré de toute charge, suite à l’implication du cardinal Hippolyte II d’Este de Ferrare, qui intercède auprès du pape Paul III. Il se rend l’année suivante (1540), à la cour de François Ier, qui souhaite le prendre à son service. Il lui passe plusieurs commandes, dont la Salière et la Nymphe de Fontainebleau. Il rentre ensuite à Florence en 1545, où il réalise son très spectaculaire Persée et écrit plusieurs textes dont des traités et ses mémoires. Son œuvre s’inscrit principalement dans le style maniériste, qu’il a pu étudier lors de ses séjours romains et qu’il exporte en France lors de sa venue.

La salière était un ornement destiné aux plus grandes tables européennes pour contenir le plus précieux des condiments : le sel. À cette époque, le sel était vital pour la conservation d’aliments tels que la viande, le poisson ou les légumes. Son prix a cependant décollé sous François Ier, suite à une augmentation de la taxe.

Réalisée dans un premier temps, pour le roi de France, François Ier, la salière Cellini fut ensuite offerte à l’archiduc Ferdinand de Tyrol, par le roi de France Charles IX, en remerciement pour un service rendu. L’œuvre entre alors dans les collections des Habsbourg, où elle est dans un premier temps conservée au château d’Ambras, puis elle est transférée au Kunsthistorisches Museum de Vienne au XIXe siècle. 

L’œuvre est particulièrement célèbre pour avoir été volée, dans la nuit du 10 au 11 mai 2003, avant d’être retrouvée en bon état, près de Zwettl, à environ 90 km de Vienne, au début de l’année 2006. 

Source : Hervé Grandsart, « La salière de Benvenuto Cellini », Revue de la Société française de promotion artistique, no 639,‎ 2006.

Trattati dell’ Oreficeria e della Scultura di Benvenuto Cellini, publiés par M. Carlo Milanesi, Florence, 1857

Crédits photographiques : Guerinf

Interview exclusive: Clara, présidente du club Art-Thémis sur le grill

Voici la suite de l’interview du club Art’Thémis. Merci au club féministe de l’école de nous avoir accordé cette interview enrichissante.

Question plus ciblée sur le féminisme : comment définiriez-vous votre engagement ?
C’est beaucoup de choses, un mouvement autour d’idées, de questionnements, d’élaboration de concepts, d’émulation. C’est aussi une lutte, contre un ennemi bien défini, le système patriarcal et ce qui en découle. C’est aussi un concept philosophique théorisé et historique. Tous.tes les militant.e.s vous diront que c’est un combat, le féminisme.

Comment définiriez-vous le féminisme ?
Le féminisme, c’est un mouvement qui a une très longue histoire maintenant et qui a eu tendance à s’accélérer au tournant de la Seconde Guerre mondiale et dans les années 1950 avec les premières vraies coalitions entre les femmes qui décident de théoriser le féminisme. Vous le savez peut-être mais ce mot est assez ancien et était presque exclusivement connoté péjorativement et les féministes se le sont réappropriées. Pour nous, il s’agit d’un ensemble de mouvements et d’idées qui visent à rétablir l’égalité totale et à tous les niveaux entre les femmes et les hommes. On vit dans une société patriarcale où les femmes sont largement dominées par des systèmes de valeurs et de symboles et qui les empêchent de jouir des mêmes privilèges que l’homme (blanc, cisgenre, hétérosexuel). Le féminisme concerne toutes les femmes, qu’elles soient victimes de sexisme, de racisme, d’homophobie, de transphobie ou encore de classisme pour ne citer que ces discriminations. Nous avons une définition qui s’inscrit dans le mouvement intersectionnel tel que théorisé par Kimberlé Williams Crenshaw, qui remet en cause le monopole de la surreprésentation de certains groupes au sein du mouvement. Le féminisme, c’est toutes les femmes ! Il lutte contre le patriarcat, les VSS subies par les femmes et contre des dominations qui sont intériorisées dans notre société et qui justifient aussi des crimes coVamme la culture du viol par exemple. À terme c’est un mouvement, nous l’espérons, qui est appelé à disparaître (mais qui a certainement encore quelques milliers d’années devant lui !).

On remarque que tu utilises beaucoup le terme « domination », mais qu’est-ce que tu mets derrière ce terme ?
Ah oui, c’est très intéressant, il faut retirer le tabou de ce mot. La domination, c’est un fait sociologique : dans notre société, il y a une classe dominante et une classe dominée. Et même plusieurs. Dans le cas du patriarcat, les hommes dominent les personnes sexisées au même titre que les colons ont dominé les personnes racisées. Aujourd’hui par les systèmes de valeurs, de représentation, ou quand on sait que les femmes sont payées 18% de moins que les hommes par exemple, on voit que c’est un fait. Ce n’est pas une perception personnelle. Dans la rue, un homme est moins en danger qu’une femme statistiquement. C’est factuel, pas accusateur.

Comment a été perçue la création d’un nouveau club féministe au sein de l’école ?
Je crois que ça a été très bien perçu. Quand j’ai rencontré Tanguy, l’ancien président des clubs, il m’a dit que ça avait été voté à la majorité, donc ça a été très bien vu à ce niveau-là, par tout le monde. Il y en a qui avaient un peu peur que le club marche sur les plates-bandes de Mauvais Genre(s). Mais c’est un truc avec lequel je n’étais pas du tout d’accord. Parce qu’il n’y a jamais trop de militants. Même s’il y a des convergences avec Mauvais Genre(s), chacun a ses lignes de fond, nous nous battons pour une chose et Mauvais Genre(s) a ses propres combats . Nous c’est vraiment contre le système patriarcal et ce n’est peut-être pas son ennemi premier. Une très bonne réception aussi au niveau de l’administration. Madame Barbillon en a pas mal parlé aux masters, au gala, où elle a encouragé les élèves à participer. Les personnes femmes se sont reconnues dans ce qu’on prônait. Beaucoup de gens nous ont écrit pour nous remercier. Étant donné qu’on est à l’École du Louvre, qui est une école d’art, les mentalités sont beaucoup plus ouvertes à ce type de questions. On n’est pas à HEC ou en école de commerce où on en aurait vraiment bavé, de source sûre, les associations féministes de ces institutions en bavent un peu plus. Au niveau de la définition du féminisme, c’est compliqué et on a eu quelques appréhensions à ce niveau-là. On se réunit donc demain avec le bureau pour élaborer une définition claire de notre féminisme. Vous avez peut-être entendu parler de certaines controverses pour certains mouvements. Nous on reste vraiment dans quelque chose d’inclusif et d’intersectionnel.

Justement, le féminisme se rallie à d’autres combats, de par l’intersectionnalité comme tu l’as évoqué. Alors à quand des actions avec d’autres clubs ? Notamment Mauvais Genre(s) (le club LGBTQIA+ de l’Ecole du Louvre) ?
Alors on fait pas mal de choses avec d’autres clubs, parce que tous les clubs peuvent se reconnaître dans notre combat, le club féministe n’est pas le seul à pouvoir être féministe, tous les clubs peuvent être féministes. Et ça, ça permet de faire de nombreux projets… comme ENDOrun ! Mauvais genre(s), ça ne s’est pas encore fait, mais on est en novembre, on s’est créé en septembre, donc on a le temps de créer des choses ! En plus ce serait formidable, on est des milieux militants, on est donc souvent d’accord, du moins on se contredit peu ! On aimerait collaborer avec eux et elles, mais pour cela il est nécessaire qu’ils sachent ce que nous prônons.

D’où l’établissement de la liste de vos valeurs …
Oui, c’est ça ! Ce travail de définition est essentiel dans un milieu militant, et d’ailleurs c’est ce qu’on fait tout le temps, de la redéfinition, de l’approfondissement. C’est la partie réflexive et théorisation du mouvement, et je trouve ça super intéressant. Le féminisme est au cœur de notre époque, il est au cœur des débats, il est en train d’être défini, c’est une émulation qui est superbe !

Il est pluriel en plus, il y a différents mouvements.
Oui ! L’intersectionnalité vise justement à unifier ces mouvements qui se créent spontanément. C’est important de définir ses termes quand on est militant. C’est nécessaire pour les gens qui s’engagent ! L’intersectionnalité, peu de personnes connaissaient ce terme il y a un an, alors qu’il est aujourd’hui au cœur des débats.

Pour parler un peu d’art, pensez-vous qu’il y ait une différence entre l’art produit par les femmes et par les hommes ?
Alors non, pas du tout ! C’est une idée reçue qu’il y aurait un art féminin et masculin. Dire qu’il y aurait une différence entre les deux reviendrait à alimenter des discours sexistes qui créent une dualité entre les hommes et les femmes et justifier certaines réflexions sur les femmes, qui auraient un art plus sensible, plus romantique, alors qu’absolument pas ! Il n’y a pas de différence innée entre les hommes et les femmes, c’est une différence de personne, de comment elle a évolué dans la société, et de vécu. Le genre de la personne n’intervient pas dedans. Après, le fait que dans le système actuel, quelqu’un ait grandi en tant que femme et ait été soumis à des dominations et des oppressions peut influencer son art. Mais c’est une personne dans une société et pas son genre en tant que femme. Tout comme la notion de male gaze qui était à l’origine utilisée dans le cinéma, théorisée par Iris Brey. Elle décrit comment un homme va percevoir et représenter des personnages féminins à l’écran. Mais encore une fois ça n’est pas le genre, c’est comment quelqu’un qui a évolué en tant qu’homme dans une position de domination dans la société va se représenter les femmes. Il faut distinguer l’inné de l’acquis en fait. Notre jeu du Jeu de piste était sur ce sujet, justement, déconstruire l’idée qu’il y ait un art féminin et un art masculin. Nous avions présenté une iconographie similaire, peinte par un homme et par une femme, pour montrer que d’un premier coup d’œil on ne peut pas distinguer si ça a été créé par une femme ou par un homme. Je crois que c’était Judith et Holopherne l’un par le Caravage et l’autre par Artemisia Gentileschi. Celui de Gentileschi est beaucoup plus gore, il se fait décapiter, le sang gicle de partout, c’est une vraie scène de boucherie, alors que celui du Caravage est bien plus doux dans sa lumière, bien plus délicat.

Est-ce que tu pourrais nous parler d’une femme qui selon toi mérite plus de reconnaissance dans le milieu de l’art ?
La première qui me vient à l’esprit c’est une artiste contemporaine qui s’appelle Jane Campion, je ne sais pas si vous connaissez, c’est une très grande réalisatrice avec un cinéma particulier, qui vient déconstruire l’idée du regard de la femme qui serait plus sensible. Son cinéma est gore, elle n’hésite pas à incarner ce genre de cinéma. Alors qu’il y a vingt ans, on n’imaginait pas qu’une femme fasse ce genre de cinéma dans lequel par exemple il y a un personnage qui se fait couper les jambes. En plus c’est un cinéma ultra féministe. Il met en scène des personnages féminins qui viennent déranger la société. Ce sont des femmes indépendantes, qui sont, en plus, souvent artistes, qu’elle met en scène dans ses films. Comme La leçon de piano, mettant en scène une femme artiste amoureuse de son piano. Et le film In the Cut. C’est une femme indépendante, écrivaine. Elle montre des scènes assez violentes et des milieux controversés, comme celui de la prostitution, en luttant contre le male gaze parce qu’elle met en scène des personnages féminins et montre des lieux, sans apposer un regard moralisateur. C’est un cinéma assez cru, très féministe, qui mériterait beaucoup plus de visibilité.

Pensez vous que l’art puisse servir le combat féministe ?
Bien sûr ! L’art est un moyen d’expression privilégié des humains, cela permet de vivre son combat de façon sensible, différemment que par le militantisme. C’est d’ailleurs pour ça que, pendant des années, dans l’art et le cinéma, quand on n’avait que la visibilité des hommes, qui représentaient le monde à travers leur regard et représentaient les femmes, on avait l’impression que c’était la réalité. Pendant des années, notre connaissance de l’art a été exclusivement celle produite par les hommes. L’art sert complètement au combat et permet d’exprimer des choses crues de façon très belle. On voit l’influence de l’art sur le monde. Frida Kahlo quand elle a commencé à représenter son corps et à se réapproprier cette représentation, ça a marqué un tournant. Quand on regarde Sois belle et tais-toi de Delphine Seyrig, c’est un film féministe, choc, ça a motivé beaucoup de femmes à retrouver leur liberté, à se réapproprier leur corps. Ce sont des actes forts qui permettent aux gens de modifier leur mentalité et de représenter un monde qui n’est pas uniquement perçu par les hommes.

Nous avons deux questions peut-être un peu plus complexes. Pensez-vous que certaines personnes soient plus légitimes de se revendiquer féministes ?
Euh… Ah c’est dur ! Vous me piégez ! Ce que je dis peut être retenu contre moi ! *Rire* C’est très complexe la question de la légitimité dans le militantisme. Je vais partir d’un exemple qui m’est personnel. Pour la marche des fiertés, le copain cisgenre, hétéro d’une amie, se demandait s’il était légitime de venir, sachant qu’il n’a pas de revendication LGBTQIA+. Mais pourtant il voulait soutenir ces idées et ce mouvement, et participer à ce combat, mais ne se sentait pas légitime. Et vous voyez comme c’est complexe, car d’une part nous n’allons pas l’interdire de venir marcher, sinon ce serait négatif. Finalement, il n’y est pas allé car il avait peur de déranger les personnes concernées. C’est un choix que je trouve mature et respectueux. Mais la question se pose forcément. Nous on voudrait que tout le monde soit féministe, c’est-à-dire, veuille une égalité totale. Toutes les classes, tous les genres ! Mais pour la question du militantisme c’est plus compliqué. Nous nous sommes demandé à Art-Thémis : si un homme veut travailler au bureau et être secrétaire général, que ferions-nous? D’un côté s’il est féministe, bien sûr ! Nous voulons que les hommes soient féministes. Mais d’un autre côté ça reste un homme, qui n’a pas vécu les oppressions et dominations qu’on a vécues. Il n’a pas cette expérience, de vivre en tant que personne sexisée. Alors est-ce qu’il est légitime de venir défendre ce qu’il ne connaît pas et n’expérimentera jamais ? C’est pour ça que je pense que les hommes peuvent plutôt être désignés par le terme « proféministes », c’est-à-dire partageant les valeurs féministes mais sans être des représentants du mouvement. Mais c’est clair que si une personne se proclame féministe, elle est légitime ! Mais participer activement c’est sujet à débat. Il y a aussi une question de représentation: qui représente le mouvement féministe ? Je ne sais pas ce que vous en pensez, ça m’intéresse…

C’est la même question pour les espaces non-mixtes …
Alors moi je suis pour clairement ! Mais oui c’est le même débat.

Donc, là où est le débat et la complexité, c’est de savoir qui on met sur le devant de la scène pour porter l’engagement militant ? Les militants sont tous légitimes, quelle que soit la sphère militante. C’est ceux qui sont les chefs de file, entre guillemets, qui posent question, c’est bien ça ?
Exactement !

Personnellement cette question, elle m’est venue en me disant : je suis féministe, mais est ce que j’ai la légitimité de débarquer auprès du club et de dire « salut je suis un homme cisgenre blanc, je suis féministe !»
Encore une fois, tout le monde est légitime, mais comme tu dis, c’est la question de la représentation. Si on met un homme dans les postes à responsabilités, à l’échelle d’Art-Thémis secrétaire, ce serait bizarre. D’ailleurs les filles d’Art-Thémis étaient contre. Nous les excluons du bureau, mais ça ne veut pas dire que nous ne voulons pas qu’ils s’engagent, loin de là ! Tout le monde est légitime de se revendiquer féministe mais les hommes c’est compliqué…

Autre question. Pensez-vous qu’il y a des degrés de féminisme ?
Vous me posez des questions difficiles ! *Rire* Des degrés de féminisme… je dirais que plutôt que des degrés de féminisme, il y a des degrés d’engagement. C’est plutôt ça la question, à quel degré, à quelle intensité on va s’engager dans un combat. Une personne peut se dire féministe, sans pour autant être engagée dans un milieu associatif ou dans des institutions, mais juste dans ses valeurs, prôner le féminisme. Et c’est le cas de beaucoup de personnes, qui partagent les valeurs du féminisme, mais qui au quotidien ne font pas des collages, n’approfondissent pas les théories, ne vont pas se lancer dans des études de genre. Le degré c’est plutôt l’engagement. Mais à partir du moment où tu veux une égalité totale, que tu sois engagé 24h sur 24 ou pas du tout, le féminisme est le même.

Pour revenir à ce qu’on disait : ce qui est intéressant, c’est que je comprends que l’égalité c’est l’objectif final, mais que pour l’atteindre on a besoin de renverser le système. On ne peut pas être égalitaires tout de suite ?
Alors oui, pour moi il y a une nécessité là. Une nécessité de la radicalité. Vous vous souvenez quand Alice Coffin a déclaré refuser de lire de la littérature écrite par les hommes. Elle s’est faite lyncher. Moi j’étais d’accord, parce que, à un moment il faut une radicalité avant d’aboutir à une égalité comme tu dis. Donc c’est vrai que ce choix est radical, ça peut paraître extrême, mais c’est un acte militant fort puisque les femmes ont été invisibilisées depuis la Préhistoire si ce n’est des exceptions. Donc oui, avant d’opérer et d’aboutir à une égalité totale, il faut un renversement des valeurs. Passer par des réunions non-mixtes par exemple, c’est nécessaire pour théoriser et avancer nos combats entre nous, concernées. Il faut des exemples radicaux. Je ne sais pas si ça vous satisfait…

Si si ! c’est parfait ! On va tâcher de retranscrire ce que tu dis sans déformer ton propos !
C’est ça qui est subtil quand on parle féminisme ou militantisme, c’est de ne pas heurter et avoir l’air manichéen, tout en montrant que l’engagement est nécessaire. C’est difficile, même au quotidien. Il faut toujours faire attention aux termes qu’on emploie par exemple.

Encore une question : est-ce que vous avez l’impression de déranger l’ordre établi et finalement de venir mettre votre grain de sel ?
Mettre son grain de sel je trouve cela réducteur… Ce n’est pas un terme que je privilégierais. Déranger l’ordre établi… peut-être un peu, mais ce serait un peu malhonnête de le dire comme tel, dans la mesure où on a vraiment eu une très bonne réception, autant de la part des élèves que de l’administration. Donc les gens ont eu une réaction de surprise, mais une bonne surprise. Il y avait déjà eu des essais, et ce besoin de féminisme. Donc ce n’est pas perturber un ordre établi, mais apporter quelque chose qui de manière informelle était attendu. Et c’est aussi parce qu’on est dans une école globalement ouverte d’esprit. On nous laisse organiser des conférences sur les thèmes qu’on veut par exemple.

Oui c’est compréhensible. Maintenant on peut peut-être en venir au mot de la fin. À toi la parole !
Pour moi le truc le plus important c’est de faire passer le message qu’il n’y a pas que le club féministe qui puisse l’être. C’est un terme qui fait encore peur, il y a quelques années, peu de gens se revendiquaient féministes sans avoir peur que ça ait une connotation négative. Ce qu’on veut à Art-Thémis, c’est démocratiser le féminisme, à notre échelle, mener une action pédagogique, répondre aux questions : qu’est-ce que c’est ? Comment je peux l’être ? Nous voulons montrer que tout le monde peut être féministe, que ça n’est pas difficile, que c’est juste un apprentissage à l’échelle de tous. Et aussi prôner l’ouverture d’esprit !

D’accord, merci ! Est-ce que toi tu aurais une question pour les gens, ou est ce que tu voudrais que les gens se posent une question ?
Ce serait bien de se demander: est-ce que je subis des dominations intériorisées ? J’inciterais les gens à faire un travail de déconstruction et à se demander: ce que vous pensez, est-ce votre réception personnelle, ou est-ce que c’est influencé par ce qu’on vous a dit ? En fait se poser de simples questions sur ses valeurs, et savoir simplement si on est en accord avec nos actes.

Très bien… merci ! Je crois bien qu’on a fini… Oui on a fini … TADAMMM !

Alors voilà cher lecteur ! C’est fini ! Eh oui… déjà ! Merci de nous avoir accompagné dans cette rencontre avec Art-Thémis et Clara ! Merci d’être resté avec nous jusqu’ici. On espère que ça vous a intéressé, que vous vous êtes vous-mêmes posé plein de questions et que vous avez réfléchi à votre avis à chacune de nos questions. Si vous avez, vous aussi, des questions à poser à Art-Thémis, n’hésitez pas à les contacter ! Sachez aussi qu’un pôle sensibilisation reste à votre écoute si vous êtes victime ou témoin de harcèlement et/ou de violences sexistes et sexuelles, il vous suffit de les contacter avec l’adresse mail infosensi.arthemis@gmail.com, votre anonymat étant garanti !
Et n’oubliez pas. À la demande de Clara, posez-vous la question : est-ce que mes actes sont en accord avec mes valeurs ? Sur ce, on vous laisse à votre introspection, après cette longue mais passionnante interview, nous on se sépare pour aller manger… un bon repas salé !

Les réseaux de l’association:
Instagram: art_Thémis.edl
Facebook: Art-Thémis: club féministe de l’Ecole du Louvre

Adrien & Noémie

Test : compose ton yaourt glacé, je devinerai en quelle année tu es !

– Tyfenn Le Roux

Avec un taux d’exactitude certifié à 97,35% par moi-même, ce test ne vous apportera rien de nouveau à part le plaisir de me donner raison. En effet, l’art de l’analyse du yaourt glacé est une science très sérieuse qui va me permettre de deviner votre année d’étude à l’EDL. Alors, 1A, 2A, 3A ou M1, à vos ingrédients sucrés !

1- Commençons par le commencement : Quel parfum souhaites-tu pour ta base ?
🎉 Fraise.
💃 Vanille.
💯 Nature.
😊 Chocolat

2- Et pour la sauce par-dessus ?
💯 Beurre de cacahuète.
🎉 Du café.
😊 Coulis de chocolat.
💃 Coulis de fruits rouges.

3- On va mettre quelques bonbons, tu veux quoi ?
😊 Des fraises tagadas.
💯 Des chamallows.
🎉 Des schtroumpfs qui piquent.
💃 Des Dragibus.

4- Bon, il va falloir essayer de mettre un peu de vitamines, quel fruit souhaites-tu ajouter ?
💃 Banane.
😊 Framboise.
💯 Kiwi.
🎉 Citron.

5- Bon vu qu’il n’y a pas grand chose à ajouter, tu veux quelle taille de pot ?
💃 Moyen, faut savoir se faire plaisir.
🎉 Petit, t’as pas le temps.
😊 Enooorme.
💯 Quoi on peut choisir la taille ?

6- Tu prendras peut-être une boisson avec ça ?
😊 Un soda bien sucré.
🎉 Un café bien serré.
💃 Une tisane bien parfumée.
💯 Un chocolat chaud bien chaud.

😊 1A = Tu viens d’arriver à l’École, tu es plein.e d’énergie et d’idées. Tu te découvres une passion pour l’archéologie (bon tu étudies pas grand chose à part ça pour l’instant mais c’est pas grave). Tout reste à découvrir pour toi, alors attache bien ta ceinture et prépare-toi pour un long voyage (n’oublie pas ton yaourt glacé pour la route).

🎉 2A = Tu as réussi tes premiers examens à l’École et tu te sens prêt.e à tout mais voilà que se profile la terreur de tous : le bloc Arts de l’Inde / Arts de l’Islam. Mais n’aie pas peur ! Avec un bon yaourt glacé, tu sauras trouver l’énergie nécessaire pour affronter cette année !

💯 3A = Tu vois enfin la lumière au bout du tunnel alors tu profites ! Tu t’imagines la vie après la 3A et ça a l’air quand même très sympa. On te trouvera sûrement en train de rêvasser devant ton yaourt glacé.

💃 M1 = Tu as passé trois ans à l’attendre et là tu découvres que tu n’as plus de vie ? Bienvenue en M1 ! Mais malgré tout, tu te passionnes pour ces nouvelles matières qui te rapprochent toujours un peu plus du métier de tes rêves. Alors tu prendras bien un yaourt glacé pour fêter ça ?

Les meilleurs cocktails (liste non exhaustive d’après l’avis parfaitement subjectif de Flora)

(Merci à Clément, Diana, Karl et Marion d’avoir commandé un grand nombre de cocktail un soir (de débauche) pour que cet article puisse voir le jour !)
Chers camarades, ami.e.s de la boisson, nous nous retrouvons aujourd’hui autour de ces quelques pages pour que je vous partage ma liste des meilleurs cocktails auxquels j’ai pu goûter ! Nous n’aurons probablement pas les mêmes goûts (et encore heureux !), mais cela pourra peut-être vous permettre de découvrir un nouveau péché mignon dangereusement sucré…

Blue Lagoon (vodka, curaçao, citron)
Un cocktail acidulé et audacieux, reconnaissable entre mille grâce à sa couleur bleu turquoise vibrante dû à la liqueur de curaçao. Petite anecdote, mais pas des moindres, le curaçao est une liqueur qui doit son nom à l’île de Curaçao, île des Antilles hollandaises et plot twist, le Curaçao est fabriqué par les Hollandais (CQFD), à partir de petites oranges vertes amères ou de bigarades.
Alors, mon avis sur ce cocktail (oui, je suis égocentrique), je le trouve à chaque fois surprenant, comme si je le redécouvrais, grâce à son amertume si caractéristique. Un indétrônable en Happy Hours.

Sex on the Beach (vodka (ou rhum), liqueur de pêche, orange, cranberries)
Son nom en interpelle, en choque d’autres, mais est surtout synonyme de bonheur (pour moi). Ce cocktail aurait probablement été créé en 1987, en Floride (Etats-Unis), lors d’un concours de cocktails, où le barman du Bar Confetti’s a surpris tout le monde en combinant la liqueur de pêche qui commençait à devenir très populaire, avec de la vodka et plusieurs types de jus de fruits. Le barman en question se serait inspiré de ce que cherche une grande partie des touristes sur la côte de Floride (le sexe et la plage), pour trouver le nom de son subtil nectar.
Pour ma part, ce cocktail me transporte en première classe en plein cœur du mois de juillet, sur un transat, les pieds dans le sable. Par sa fraîcheur et son côté pleinement sucré, le Sex on the Beach a une place très chère à mon cœur dans cette sélection très select.

Cosmopolitan (vodka, triple sec, citron vert, canneberge)
Popularisé dans la communauté gay du Massachussetts des années 1960, le Cosmopolitan se démocratise aux Etats-Unis, puis dans le monde entier, avec un succès phénoménal féminin, à cause entre autres de sa couleur du jus de canneberge, dans son verre à cocktail évasé (malheureusement, ce n’est pas le cas sur la photo annexe). Son succès s’amplifie encore, grâce à Carrie Bradshaw qui en fait son cocktail favori, dans la série télévisée américaine Sex and the City. Ce cocktail est également un grand classique dans la culture russe (you know, la vodka…).
Cocktail assez léger, qui se boit très bien en milieu de soirée, en attendant un autre Mojito !

Mojito (rhum, soda, citron vert, menthe fraîche)
(Spoiler : le meilleur pour la fin) L’histoire de ce cocktail est encore une fois assez mystérieuse et basée sur des croyances, mais bon, tant que je ne pourrais pas remonter le temps, il faudra malheureusement s’en contenter. La légende raconte que l’histoire du mojito remonterait au début du XVIe siècle, lorsque le corsaire explorateur anglais Francis Drake, entre deux pillages de La Havane, appréciait siroter des feuilles de menthe pilées avec du tafia (rhum produit à partir de mélasse). La recette originelle évolue au XXe siècle, lorsque le tafia est remplacé par du rhum et le citron vert est ajouté au mélange. Ainsi est né le mojito connu aujourd’hui, et qui tire son nom du « mojo », une mixture à base de citron initialement destinée à rehausser le goût des aliments. Très apprécié par Ernest Hemingway lorsqu’il vivait à Cuba entre 1939 et 1960, le mojito est devenu à partir de 1920 un véritable emblème de la culture cubaine. Le rhum est aujourd’hui l’un des principaux produits d’exportation de l’économie de Cuba (et oui, rien que ça !)
Le meilleur cocktail de tous les temps. Arrêtons tous les débats. C’est tout pour moi. Fin.

Disclaimer : L’alcool est à consommer avec modération.

Deuxième disclaimer : L’étude très poussée que j’ai menée pour dégotter les meilleurs cocktails a été réalisée principalement au Bar du Marché, 16 Boulevard Richard-Lenoir, 75011 Paris.

Troisième disclaimer (oui, j’abuse) : Je n’aime pas le goût de la noix de coco associé à un alcool, ce qui explique l’absence de certains cocktails, telle que la piña colada, sorry…

Flora Fief

Coeur de pierre: la rubrique des statues grecques. La Vénus d’Arles

Découverte et réception


Ce nom de « Vénus d’Arles » vient du fait qu’elle a été retrouvée à Arles en juin 1651, lors du commencement des fouilles des vestiges romains, et de manière assez fortuite, elle a en effet été retrouvée près de la citerne d’une maison moderne. L’hypothèse la plus vraisemblable affirme que cette statue fait partie d’un programme iconographique destiné à décorer le théâtre antique d’Arles. La Vénus serait issue de la décoration du postscaenium, un grand mur, comportant trois étages de colonnes, servant de mur entre l’estrade de la scène et les coulisses afin de cacher ces dernières. Ce mur est sublimé par une importante statuaire inspirée de modèles grecs, notamment des danseuses et des déesses, dirigeant le regard du spectateur vers la statue d’Auguste représenté en Apollon, d’une certaine manière, cette statue pouvait donc avoir une importance, plus ou moins grande selon les hypothèses, pour le culte impérial.


Aussitôt découverte, cette statue connut un immense succès – la France étant le centre mondial de la culture et de toutes les attentions à l’époque de Louis XIV – et fut directement acquise par les Consuls d’Arles. Sa renommée peut s’expliquer du fait de sa nudité, en effet, à l’époque, la présence de sculptures féminines à demi-nues était gage de rareté. L’assemblage des quatre fragments fut entrepris en 1652 par Jean Sautereau. Pendant longtemps, cette statue occupa plusieurs places successives dans la ville provençale, la plus connue étant sans doute la tour de l’Horloge, près de l’escalier d’honneur de l’hôtel de ville. C’est de cette exposition dans la ville que naît chez certains poètes l’idée d’une noblesse romaine arlésienne de laquelle descendraient les habitants, cette thèse sera par ailleurs reprise par des écrivains, comme Frédéric Mistral. Jaloux de son succès auprès de la cour européenne, Louis XIV décida par un décret de la faire venir à Versailles afin que cette dernière puisse décorer la galerie des Glaces au même titre que la Diane de Versailles. C’est donc ensemble que ces statues entrent au Louvre en 1798.

Raphaël Papion

Description et analyse


La statue en pied, plus grande que nature, représente une jeune femme à demi-vêtue d’un manteau ceinturé aux hanches. Par bien des aspects elle rappelle le travail de Praxitèle, à qui l’on prête l’original associé. Son attitude souple et l’impression de balancement créée par le contrapposto ne sont pas sans évoquer les recherches du sculpteur du second classicisme (370-323 av. J.-C.) visibles sur l’Apollon Sauroctone. La composition est savamment animée par les bras, visiblement relevés, et par la tête tournée vers la gauche. Les plis variés de l’himation qui se répondent à un rythme mathématique y contribuent également et sont des traces évidentes du classicisme, et plus particulièrement du IVe siècle comme nous l’indique la retombée en cascade du drapé le long de la jambe portante. Le manteau épais, profondément recreusé au niveau de ses hanches, contraste avec la peau lisse et les courbes douces de la déesse. Sa poitrine menue est également un trait fréquent chez Praxitèle. L’écart entre les pieds et le léger déséquilibre quant à eux provoquent une oblique dans les plis du manteau en mouvement qui s’oppose à celle décrite par les bras, mettant ainsi en avant l’objet tenu dans sa main gauche.

L’étude de son visage semble confirmer la parenté avec une oeuvre de Praxitèle; androgyne, le front triangulaire, la paupière inférieure estompée, les lèvres charnues. Notre Vénus d’Arles présente une grande similarité avec la tête féminine du type Aphrodite de Cnide du Louvre exposée à côté. Ses mèches ondulées sont ramenées en un chignon à l’arrière du crâne, tandis qu’au niveau de ses tempes certaines ont été repiquées autour du bandeau, créant un léger bourrelet. Ses oreilles ne sont pas percées, contrairement à certaines statues de marbre, en revanche un trou au centre de son bandeau laisse supposer qu’un bijou était rapporté. De même, elle est parée d’un bracelet au bras gauche, dont le chaton vide était peut-être autrefois orné d’une pierre.

La remise en question de l’attribution à Praxitèle par Ridgway, qui la pense faite «à la manière de» Praxitèle à l’époque augustéenne, est réfutée par nombre de chercheurs, dont Alain Pasquier.

Enfin nous pouvons observer diverses traces de mutilations et de restaurations (cou, épaule droite, omoplate gauche, avant-bras, fragment de ruban) et de systèmes de maintien (tenons à la hanche droite et trou de crampon au niveau des reins, sous le bourrelet du manteau). Ceux-ci nous indiquent que la statue était destinée à être vue de face. D’ailleurs en observant la statue de dos nous notons que le bas du manteau n’est que grossièrement sculpté, à peine dégagé du bloc de marbre, liée au lieu où elle était disposée.

Lilou Feuilloley

La restauration

Arrivée à Paris en 1684, la Vénus d’Arles fut confiée à François Girardon (1628-1715), le bien connu sculpteur du Roi-Soleil. L’œuvre, notamment amputée de son bras droit ainsi que de son avant-bras gauche devait, comme c’était alors l’usage, être restaurée afin d’être exposée dans la Grande Galerie de Versailles. Cette statue de femme faisait alors débat : qui représente-t-elle donc ? Selon certains, il s’agissait de Diane, pour d’autres, elle représentait Vénus bien sûr. Louis XIV acquiesce lorsque F. Girardon lui présente un modèle en cire de son projet de restauration en Aphrodite. Celui-ci l’a donc dotée d’attributs, ne laissant plus de doute quant à la divinité qu’elle était censée représenter : une pomme, allusion au jugement de Pâris, et un miroir pour la belle déesse. Cependant, le travail accompli par le sculpteur du roi n’a pas nécessairement été très bien reçu. En effet, dès 1759, il est affirmé qu’il aurait été bien incongru pour les Anciens de doter leur œuvre de deux attributs, d’autant plus s’il s’agit d’Aphrodite dont l’attribut principal est finalement son corps même. Mais ce qui provoqua la véritable controverse fut la découverte, en 1911, par Jules Formigé, architecte et archéologue originaire d’Arles, d’un moulage de la sculpture avant sa restauration par Girardon. Les différences entre le plâtre et le marbre ont rendu ce dernier coupable d’avoir « dénaturé » la statue. Car si le moulage a été réalisé avant restauration, il semble bien naturel qu’il soit fidèle à l’œuvre en marbre. Pourtant, l’affaire est plus complexe. Effectivement, fiers de cette découverte, les Arlésiens ont exposé le moulage à l’hôtel de ville, mais celui-ci aurait été endommagé à diverses reprises. Plusieurs problématiques se posent alors : par exemple, Girardon a procédé à quelques retouches de telle sorte que le genou de l’oeuvre en marbre est moins saillant à travers le drapé qu’il ne l’était au moment de la mise au jour, à tel point que le moulage retrouvé par Furmigé paraît pour le coup plus fidèle à l’original.

Mais, comme pour une autre Vénus bien célèbre, c’est la position des bras et les attributs (certains ont proposé une Vénus en armes) qui ont probablement causé le plus de discussions. S’il s’avère que la position de l’avant-bras gauche est assez juste, en revanche, le bras droit – dont beaucoup l’auraient placé plus haut, la main droite ramenée vers la chevelure ou bien en direction de l’épaule versant un petit vase d’eau – était en fait à l’origine plus bas, comme l’indique un tenon qui était logé sur la hanche droite. C’est d’ailleurs ce tenon qui a poussé le restaurateur à diminuer la largeur des hanches de la déesse afin qu’il ne soit plus visible. Cela lui valu quelques critiques, comme pour le tenon antique de l’épaule droite qu’il a transformé en petit ruban. Par ailleurs, la position de la tête diffère entre le moulage et l’œuvre. Elle aurait été mise de telle sorte que la déesse se contemplait dans le miroir dont elle a été pourvue au XVIIe siècle.

En somme, si la restauration effectuée par François Girardon a été contestée, il n’en reste pas moins que la Vénus d’Arles, sans doute moins fidèle à l’original qu’elle ne l’a été, demeure tout à fait harmonieuse. Le sculpteur a bien accompli sa mission : restaurer un antique afin de le rendre digne de figurer parmi les chefs-d’oeuvre d’un roi qui se souciait davantage de la renaissance d’un âge d’or que de recherches archéologiques, et ce notamment en faisant revivre des sculptures qui étaient restées ensevelies pendant des années.

Le cas de la Vénus d’Arles est ainsi singulièrement intéressant puisqu’il pousse à comprendre l’histoire et les enjeux de restauration spécifiques aux différentes époques. Dans ce contexte, il est donc bien compréhensible qu’à son arrivée au musée du Louvre la Vénus de Milo, laissée presque telle quelle, ait eu du mal à trouver sa place parmi toutes ces œuvres restaurées !

Lyse Debard

Sources :
– PASQUIER Alain, MARTINEZ Jean-Luc, 100 chefs-d’oeuvre de la sculpture grecque au Louvre, Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris, Somogy éditions d’art : Musée du Louvre éditions, 2007
– MICHON Étienne, « La Vénus d’Arles et sa restauration par Girardon », Monuments et mémoires publiés par l’Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, Fondation Eugène Piot, 21, 1913
– MILOVANOVIC Nicolas, MARAL Alexandre, Versailles et l’Antique, catalogue d’exposition (Versailles, Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, du 13 novembre 2012 au 17 mars 2013), Paris, Artlys, 2012

Les raisons pour lesquelles notre cœur fond :

« Lorsque je regarde la Vénus d’Arles, je ne peux m’empêcher de penser à toute la douceur qu’elle dégage, les bras et les épaules sont particulièrement doux. La volupté du buste s’additionne avec la délicatesse sculpturale du ventre. Finalement le mouvement s’effectue avec le drapé. Pris dans son avant-bras gauche, celui-ci dessine de grandes obliques traversant le jeu de jambes de la copie romaine attribuée à Praxitèle. Les plis forment une longue succession de cannelures descendant vers les pieds que le drapé laisse le soin de légèrement découvrir. Je suis particulièrement émerveillé par les drapés de sa jambe gauche, le rabat du vêtement vient se traduire par une chute de plis travaillés au foret. Enfin, la longue plage de calme au-dessus du relief du genou droit vient achever ce délicieux mélange de volupté et de sérénité. Pour ce qui est du visage, celui-ci respecte les codes très appréciés par les Grecs à cette époque puis par les Romains. Finalement comment ne pas les comprendre, la rectitude du nez, les yeux en amande, les lèvres fines et délicates, tous ces éléments sont de véritables bonbons pour les yeux. »

Raphaël Papion

« Ma vue favorite de la Vénus d’Arles est celle de son dos. Paradoxalement, c’est en observant ce que les Romains et Gaulois n’étaient pas destinés à voir que nous pouvons saisir l’histoire et la force de cette Aphrodite: le bloc de marbre initial qui se devine à ses pieds, le drapé glissant le long de ses hanches, la posture sinueuse et l’extrême douceur praxitéliennes, les marques de restauration et de mutilations qui laissent entrevoir le marbre brillant, ou encore la coiffure élégante. Même la question des attributs divins se trouve ajustée car nous ne sommes plus influencés par les attributs restitués: de dos elle permet à toutes les hypothèses (miroir, peigne, casque, pomme) de coexister. »

Lilou Feuilloley