(Merci à Clément, Diana, Karl et Marion d’avoir commandé un grand nombre de cocktail un soir (de débauche) pour que cet article puisse voir le jour !) Chers camarades, ami.e.s de la boisson, nous nous retrouvons aujourd’hui autour de ces quelques pages pour que je vous partage ma liste des meilleurs cocktails auxquels j’ai pu goûter ! Nous n’aurons probablement pas les mêmes goûts (et encore heureux !), mais cela pourra peut-être vous permettre de découvrir un nouveau péché mignon dangereusement sucré…
Blue Lagoon (vodka, curaçao, citron) Un cocktail acidulé et audacieux, reconnaissable entre mille grâce à sa couleur bleu turquoise vibrante dû à la liqueur de curaçao. Petite anecdote, mais pas des moindres, le curaçao est une liqueur qui doit son nom à l’île de Curaçao, île des Antilles hollandaises et plot twist, le Curaçao est fabriqué par les Hollandais (CQFD), à partir de petites oranges vertes amères ou de bigarades. Alors, mon avis sur ce cocktail (oui, je suis égocentrique), je le trouve à chaque fois surprenant, comme si je le redécouvrais, grâce à son amertume si caractéristique. Un indétrônable en Happy Hours.
Sex on the Beach (vodka (ou rhum), liqueur de pêche, orange, cranberries) Son nom en interpelle, en choque d’autres, mais est surtout synonyme de bonheur (pour moi). Ce cocktail aurait probablement été créé en 1987, en Floride (Etats-Unis), lors d’un concours de cocktails, où le barman du Bar Confetti’s a surpris tout le monde en combinant la liqueur de pêche qui commençait à devenir très populaire, avec de la vodka et plusieurs types de jus de fruits. Le barman en question se serait inspiré de ce que cherche une grande partie des touristes sur la côte de Floride (le sexe et la plage), pour trouver le nom de son subtil nectar. Pour ma part, ce cocktail me transporte en première classe en plein cœur du mois de juillet, sur un transat, les pieds dans le sable. Par sa fraîcheur et son côté pleinement sucré, le Sex on the Beach a une place très chère à mon cœur dans cette sélection très select.
Cosmopolitan (vodka, triple sec, citron vert, canneberge) Popularisé dans la communauté gay du Massachussetts des années 1960, le Cosmopolitan se démocratise aux Etats-Unis, puis dans le monde entier, avec un succès phénoménal féminin, à cause entre autres de sa couleur du jus de canneberge, dans son verre à cocktail évasé (malheureusement, ce n’est pas le cas sur la photo annexe). Son succès s’amplifie encore, grâce à Carrie Bradshaw qui en fait son cocktail favori, dans la série télévisée américaine Sex and the City. Ce cocktail est également un grand classique dans la culture russe (you know, la vodka…). Cocktail assez léger, qui se boit très bien en milieu de soirée, en attendant un autre Mojito !
Mojito (rhum, soda, citron vert, menthe fraîche) (Spoiler : le meilleur pour la fin) L’histoire de ce cocktail est encore une fois assez mystérieuse et basée sur des croyances, mais bon, tant que je ne pourrais pas remonter le temps, il faudra malheureusement s’en contenter. La légende raconte que l’histoire du mojito remonterait au début du XVIe siècle, lorsque le corsaire explorateur anglais Francis Drake, entre deux pillages de La Havane, appréciait siroter des feuilles de menthe pilées avec du tafia (rhum produit à partir de mélasse). La recette originelle évolue au XXe siècle, lorsque le tafia est remplacé par du rhum et le citron vert est ajouté au mélange. Ainsi est né le mojito connu aujourd’hui, et qui tire son nom du « mojo », une mixture à base de citron initialement destinée à rehausser le goût des aliments. Très apprécié par Ernest Hemingway lorsqu’il vivait à Cuba entre 1939 et 1960, le mojito est devenu à partir de 1920 un véritable emblème de la culture cubaine. Le rhum est aujourd’hui l’un des principaux produits d’exportation de l’économie de Cuba (et oui, rien que ça !) Le meilleur cocktail de tous les temps. Arrêtons tous les débats. C’est tout pour moi. Fin.
Disclaimer : L’alcool est à consommer avec modération.
Deuxième disclaimer : L’étude très poussée que j’ai menée pour dégotter les meilleurs cocktails a été réalisée principalement au Bar du Marché, 16 Boulevard Richard-Lenoir, 75011 Paris.
Troisième disclaimer (oui, j’abuse) : Je n’aime pas le goût de la noix de coco associé à un alcool, ce qui explique l’absence de certains cocktails, telle que la piña colada, sorry…
Ce nom de « Vénus d’Arles » vient du fait qu’elle a été retrouvée à Arles en juin 1651, lors du commencement des fouilles des vestiges romains, et de manière assez fortuite, elle a en effet été retrouvée près de la citerne d’une maison moderne. L’hypothèse la plus vraisemblable affirme que cette statue fait partie d’un programme iconographique destiné à décorer le théâtre antique d’Arles. La Vénus serait issue de la décoration du postscaenium, un grand mur, comportant trois étages de colonnes, servant de mur entre l’estrade de la scène et les coulisses afin de cacher ces dernières. Ce mur est sublimé par une importante statuaire inspirée de modèles grecs, notamment des danseuses et des déesses, dirigeant le regard du spectateur vers la statue d’Auguste représenté en Apollon, d’une certaine manière, cette statue pouvait donc avoir une importance, plus ou moins grande selon les hypothèses, pour le culte impérial.
Aussitôt découverte, cette statue connut un immense succès – la France étant le centre mondial de la culture et de toutes les attentions à l’époque de Louis XIV – et fut directement acquise par les Consuls d’Arles. Sa renommée peut s’expliquer du fait de sa nudité, en effet, à l’époque, la présence de sculptures féminines à demi-nues était gage de rareté. L’assemblage des quatre fragments fut entrepris en 1652 par Jean Sautereau. Pendant longtemps, cette statue occupa plusieurs places successives dans la ville provençale, la plus connue étant sans doute la tour de l’Horloge, près de l’escalier d’honneur de l’hôtel de ville. C’est de cette exposition dans la ville que naît chez certains poètes l’idée d’une noblesse romaine arlésienne de laquelle descendraient les habitants, cette thèse sera par ailleurs reprise par des écrivains, comme Frédéric Mistral. Jaloux de son succès auprès de la cour européenne, Louis XIV décida par un décret de la faire venir à Versailles afin que cette dernière puisse décorer la galerie des Glaces au même titre que la Diane de Versailles. C’est donc ensemble que ces statues entrent au Louvre en 1798.
Raphaël Papion
Description et analyse
La statue en pied, plus grande que nature, représente une jeune femme à demi-vêtue d’un manteau ceinturé aux hanches. Par bien des aspects elle rappelle le travail de Praxitèle, à qui l’on prête l’original associé. Son attitude souple et l’impression de balancement créée par le contrapposto ne sont pas sans évoquer les recherches du sculpteur du second classicisme (370-323 av. J.-C.) visibles sur l’Apollon Sauroctone. La composition est savamment animée par les bras, visiblement relevés, et par la tête tournée vers la gauche. Les plis variés de l’himation qui se répondent à un rythme mathématique y contribuent également et sont des traces évidentes du classicisme, et plus particulièrement du IVe siècle comme nous l’indique la retombée en cascade du drapé le long de la jambe portante. Le manteau épais, profondément recreusé au niveau de ses hanches, contraste avec la peau lisse et les courbes douces de la déesse. Sa poitrine menue est également un trait fréquent chez Praxitèle. L’écart entre les pieds et le léger déséquilibre quant à eux provoquent une oblique dans les plis du manteau en mouvement qui s’oppose à celle décrite par les bras, mettant ainsi en avant l’objet tenu dans sa main gauche.
L’étude de son visage semble confirmer la parenté avec une oeuvre de Praxitèle; androgyne, le front triangulaire, la paupière inférieure estompée, les lèvres charnues. Notre Vénus d’Arles présente une grande similarité avec la tête féminine du type Aphrodite de Cnide du Louvre exposée à côté. Ses mèches ondulées sont ramenées en un chignon à l’arrière du crâne, tandis qu’au niveau de ses tempes certaines ont été repiquées autour du bandeau, créant un léger bourrelet. Ses oreilles ne sont pas percées, contrairement à certaines statues de marbre, en revanche un trou au centre de son bandeau laisse supposer qu’un bijou était rapporté. De même, elle est parée d’un bracelet au bras gauche, dont le chaton vide était peut-être autrefois orné d’une pierre.
La remise en question de l’attribution à Praxitèle par Ridgway, qui la pense faite «à la manière de» Praxitèle à l’époque augustéenne, est réfutée par nombre de chercheurs, dont Alain Pasquier.
Enfin nous pouvons observer diverses traces de mutilations et de restaurations (cou, épaule droite, omoplate gauche, avant-bras, fragment de ruban) et de systèmes de maintien (tenons à la hanche droite et trou de crampon au niveau des reins, sous le bourrelet du manteau). Ceux-ci nous indiquent que la statue était destinée à être vue de face. D’ailleurs en observant la statue de dos nous notons que le bas du manteau n’est que grossièrement sculpté, à peine dégagé du bloc de marbre, liée au lieu où elle était disposée.
Lilou Feuilloley
La restauration
Arrivée à Paris en 1684, la Vénus d’Arles fut confiée à François Girardon (1628-1715), le bien connu sculpteur du Roi-Soleil. L’œuvre, notamment amputée de son bras droit ainsi que de son avant-bras gauche devait, comme c’était alors l’usage, être restaurée afin d’être exposée dans la Grande Galerie de Versailles. Cette statue de femme faisait alors débat : qui représente-t-elle donc ? Selon certains, il s’agissait de Diane, pour d’autres, elle représentait Vénus bien sûr. Louis XIV acquiesce lorsque F. Girardon lui présente un modèle en cire de son projet de restauration en Aphrodite. Celui-ci l’a donc dotée d’attributs, ne laissant plus de doute quant à la divinité qu’elle était censée représenter : une pomme, allusion au jugement de Pâris, et un miroir pour la belle déesse. Cependant, le travail accompli par le sculpteur du roi n’a pas nécessairement été très bien reçu. En effet, dès 1759, il est affirmé qu’il aurait été bien incongru pour les Anciens de doter leur œuvre de deux attributs, d’autant plus s’il s’agit d’Aphrodite dont l’attribut principal est finalement son corps même. Mais ce qui provoqua la véritable controverse fut la découverte, en 1911, par Jules Formigé, architecte et archéologue originaire d’Arles, d’un moulage de la sculpture avant sa restauration par Girardon. Les différences entre le plâtre et le marbre ont rendu ce dernier coupable d’avoir « dénaturé » la statue. Car si le moulage a été réalisé avant restauration, il semble bien naturel qu’il soit fidèle à l’œuvre en marbre. Pourtant, l’affaire est plus complexe. Effectivement, fiers de cette découverte, les Arlésiens ont exposé le moulage à l’hôtel de ville, mais celui-ci aurait été endommagé à diverses reprises. Plusieurs problématiques se posent alors : par exemple, Girardon a procédé à quelques retouches de telle sorte que le genou de l’oeuvre en marbre est moins saillant à travers le drapé qu’il ne l’était au moment de la mise au jour, à tel point que le moulage retrouvé par Furmigé paraît pour le coup plus fidèle à l’original.
Mais, comme pour une autre Vénus bien célèbre, c’est la position des bras et les attributs (certains ont proposé une Vénus en armes) qui ont probablement causé le plus de discussions. S’il s’avère que la position de l’avant-bras gauche est assez juste, en revanche, le bras droit – dont beaucoup l’auraient placé plus haut, la main droite ramenée vers la chevelure ou bien en direction de l’épaule versant un petit vase d’eau – était en fait à l’origine plus bas, comme l’indique un tenon qui était logé sur la hanche droite. C’est d’ailleurs ce tenon qui a poussé le restaurateur à diminuer la largeur des hanches de la déesse afin qu’il ne soit plus visible. Cela lui valu quelques critiques, comme pour le tenon antique de l’épaule droite qu’il a transformé en petit ruban. Par ailleurs, la position de la tête diffère entre le moulage et l’œuvre. Elle aurait été mise de telle sorte que la déesse se contemplait dans le miroir dont elle a été pourvue au XVIIe siècle.
En somme, si la restauration effectuée par François Girardon a été contestée, il n’en reste pas moins que la Vénus d’Arles, sans doute moins fidèle à l’original qu’elle ne l’a été, demeure tout à fait harmonieuse. Le sculpteur a bien accompli sa mission : restaurer un antique afin de le rendre digne de figurer parmi les chefs-d’oeuvre d’un roi qui se souciait davantage de la renaissance d’un âge d’or que de recherches archéologiques, et ce notamment en faisant revivre des sculptures qui étaient restées ensevelies pendant des années.
Le cas de la Vénus d’Arles est ainsi singulièrement intéressant puisqu’il pousse à comprendre l’histoire et les enjeux de restauration spécifiques aux différentes époques. Dans ce contexte, il est donc bien compréhensible qu’à son arrivée au musée du Louvre la Vénus de Milo, laissée presque telle quelle, ait eu du mal à trouver sa place parmi toutes ces œuvres restaurées !
Lyse Debard
Sources : – PASQUIER Alain, MARTINEZ Jean-Luc, 100 chefs-d’oeuvre de la sculpture grecque au Louvre, Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris, Somogy éditions d’art : Musée du Louvre éditions, 2007 – MICHON Étienne, « La Vénus d’Arles et sa restauration par Girardon », Monuments et mémoires publiés par l’Académie des Inscriptions et Belles-Lettres, Fondation Eugène Piot, 21, 1913 – MILOVANOVIC Nicolas, MARAL Alexandre, Versailles et l’Antique, catalogue d’exposition (Versailles, Musée national des châteaux de Versailles et de Trianon, du 13 novembre 2012 au 17 mars 2013), Paris, Artlys, 2012
Les raisons pour lesquelles notre cœur fond :
« Lorsque je regarde la Vénus d’Arles, je ne peux m’empêcher de penser à toute la douceur qu’elle dégage, les bras et les épaules sont particulièrement doux. La volupté du buste s’additionne avec la délicatesse sculpturale du ventre. Finalement le mouvement s’effectue avec le drapé. Pris dans son avant-bras gauche, celui-ci dessine de grandes obliques traversant le jeu de jambes de la copie romaine attribuée à Praxitèle. Les plis forment une longue succession de cannelures descendant vers les pieds que le drapé laisse le soin de légèrement découvrir. Je suis particulièrement émerveillé par les drapés de sa jambe gauche, le rabat du vêtement vient se traduire par une chute de plis travaillés au foret. Enfin, la longue plage de calme au-dessus du relief du genou droit vient achever ce délicieux mélange de volupté et de sérénité. Pour ce qui est du visage, celui-ci respecte les codes très appréciés par les Grecs à cette époque puis par les Romains. Finalement comment ne pas les comprendre, la rectitude du nez, les yeux en amande, les lèvres fines et délicates, tous ces éléments sont de véritables bonbons pour les yeux. »
Raphaël Papion
« Ma vue favorite de la Vénus d’Arles est celle de son dos. Paradoxalement, c’est en observant ce que les Romains et Gaulois n’étaient pas destinés à voir que nous pouvons saisir l’histoire et la force de cette Aphrodite: le bloc de marbre initial qui se devine à ses pieds, le drapé glissant le long de ses hanches, la posture sinueuse et l’extrême douceur praxitéliennes, les marques de restauration et de mutilations qui laissent entrevoir le marbre brillant, ou encore la coiffure élégante. Même la question des attributs divins se trouve ajustée car nous ne sommes plus influencés par les attributs restitués: de dos elle permet à toutes les hypothèses (miroir, peigne, casque, pomme) de coexister. »
Pour cette reprise de la rubrique de l’aparté scientifique, quoi de mieux que de suivre le thème sucré, en l’associant à un peu de biologie grâce aux pommes. Fruit suprême de mon alimentation, j’en consomme à toutes les sauces ayant été matrixée par le proverbe “an apple a day keeps the doctor away”.
Mais ce dicton fut démenti par l’étude faite sur un échantillon de 8728 individus et publiée en 2015 dans la revue médicale JAMA, qui stipule (et je cite en traduisant directement) ”qu’il n’y a pas de preuves démontrant que la consommation d’une pomme par jour a un lien direct avec le fait de ne pas consulter un médecin, mais que les adultes états-uniens mangeant une pomme par jour ont tendance à moins utiliser de substances médicamenteuses ». Mais heureusement, je suis là pour redorer l’image de ce fruit (j’espère le faire rougir au passage), car bien qu’il ne nous empêche pas d’aller chez un médecin, il conserve des bienfaits indéniables, dont… la réduction des crises cardiaques ! En vérité il s’agit de l’ensemble des fruits et légumes à chair blanche, mais la pomme est incluse dedans donc je me permets des raccourcis, et en profite pour en faire un article.
D’abord, un peu d’histoire. C’est une espèce qui existe depuis plus de cinquante millions d’années, dans la région du Kazakhstan, mais elle se diffuse peu à peu, jusqu’à arriver en Europe où elle finit par être cultivée au Néolithique. Plusieurs écrivains de l’Antiquité en parlent, dont Caton et Pline l’Ancien.
Disons le clairement, la pomme part plutôt mal dans la vie : pomme de la discorde pour les Grecs, associée au fruit de la connaissance du bien et du mal chez les chrétiens, elle finit même par porter sa réputation dans le nom scientifique de l’espèce, Malus. Mais loin de se laisser abattre, elle fait fi de sa forme en sphère et peut être vue comme une référence érotique. Les poètes antiques en tirent grandement parti… Et oui, comment Dionysos aurait-il pécho Aphrodite sans pomme ?
Maintenant, ça se complique: la pomme n’est pas un vrai fruit. Non non, c’est un “faux-fruit”, c’est-à-dire qu’il est constitué d’autres organes que l’ovaire. C’est une différence qui se développe au moment où l’ovaire est fécondée et qu’elle se transforme peu à peu en graine : un faux-fruit intègre d’autres parties de la fleur que l’ovaire, comme le pédoncule, alors que le vrai fruit ne se forme qu’à partir de l’ovaire.
Venons-en aux bienfaits des pommes : en plus d’être succulente, la pomme est riche en vitamine C, ce qui fait qu’elle joue sur le métabolisme du fer (adieu l’anémie), mais c’est aussi une vitamine utilisée pour la synthèse de collagène (adieu les rides), et qui contribue au bon fonctionnement du système immunitaire (on ne dit pas adieu au rhume, il est juste moins chiant). En plus de cela, associée à de la pectine et d’autres agents anti-oxydants que la pomme contient, la vitamine C réduit la croissance des cellules cancéreuses du foie et du côlon, selon une étude de l’université Cornell.
Alors certes, ça n’est pas un médicament et certaines études restent à confirmer, mais ça vaut le coup de rajouter une pomme à son petit déjeuner! (mais évitez quand même de faire un smoothie de pépins de pomme, c’est du cyanure).
Sources
Davis MA, Bynum JPW, Sirovich BE. Association Between Apple Consumption and Physician Visits: Appealing the Conventional Wisdom That an Apple a Day Keeps the Doctor Away. JAMA Intern Med. 2015;175(5):777–783. doi:10.1001/jamainternmed.2014.5466
Linda M. Oude Griep, W. M. Monique Verschuren, Daan Kromhout, Marga C. Ocké, Johanna M. Geleijnse. Colors of Fruit and Vegetables and 10-Year Incidence of Stroke. Stroke, 2011; DOI: 10.1161/STROKEAHA.110.611152
Les courses sur Paris, c’est très vite cher, et on en arrive rapidement à une routine pâtes / riz pour le repas. Alors, il est difficile de ne pas avoir envie de déguster un bon tacos triple viande ou de se préparer de bonnes grillades dans un grill coréen. « Mais quel trou dans le budget ça me ferait ! », pense l’étudiant ignorant. « Existe-t-il une solution à mon problème ? » Et bien oui ! Cette solution s’appelle TooGood ToGo (on n’est même pas payé pour dire ça !), une appli gratuite sur ton téléphone qui te permet de racheter les invendus de tes restaurants parisiens préférés, et ça pour une modique somme de quatre euros en moyenne pour un plat qui coûterait douze euros ! Après ton achat, tu ramènes ton plat chez toi et tu te régales. Alors il est clair que pour certains, quatre euros ça peut déjà être un budget, mais ça amortit déjà ton petit plaisir hebdomadaire. De plus, en rachetant les invendus, tu aides la planète (si c’est pas beau tout ça). C’est aussi valable pour tes courses au supermarché, tes achats à la boulangerie… Bref, dans tous les commerces alimentaires près de chez toi.
« Bon, c’est bien sympa de pouvoir manger pour moins cher, mais quid de ma sociabilité ? Suis-je destiné à rester manger chez moi tous les repas en tant qu’étudiant fantastique (j’étudie à l’EDL) ? » se questionne à nouveau l’étudiant ignorant. Et bien non, rien ne t’oblige à rester chez toi et tu peux aller manger avec tes amis dehors si tu le souhaites, dans la pizza la moins chère de Paris ! Pour la modeste somme de six euros, tu peux aller manger chez Brooklyn Pizzeria une superbe Margherita cuite au feu de bois. Tu souhaites emmener ton date au restaurant, mais tu es en galère parce que c’est la fin du mois ? Invite le/la chez Brooklyn Pizzeria ! Six euros pour une pizza cuite au feu de bois, à déguster en terrasse entre amis, ça ne peut que te faire du bien (et pendant un instant tu ne penseras plus aux milliers de noms propres à apprendre pour Ariane Thomas). Alors, si tu as une petite faim et que tu veux profiter du beau temps, rendez-vous au 33 Boulevard Beaumarchais.
Mielleuse, fruitée, acidulée, la parole poétique nous fait voyager au milieu des saveurs sucrées. Convoquant des symboles très différents, jouant sur le sens des mots, conjuguant nos différents sens : toutes les excuses sont bonnes pour contempler un monde au goût sucré !
La satire à la sauce aigre-douce « Au lecteur », Les Regrets, Du Bellay (d’après la traduction Livres de Poche) : « Ce petit livre, lecteur, que nous te donnons maintenant, a un arrière-goût composite : celui du fiel, en même temps que celui du miel et du sel. »
A tout réquisitoire salé contre la société, à toute indignation, et donc à tout fiel, il faudrait ajouter un peu de miel d’après Du Bellay. Bien qu’il soit surtout connu pour ses élégies (seum et amertume), le poète a bien précédé Molière dans la critique de l’hypocrisie des courtisans (ici, de la cour pontificale romaine). Quoi de plus ironique que de mimer les manières mielleuses de ces personnages qui cherchent à « Seigneuriser chacun d’un baisement de main » ? Au fiel de la colère de Du Bellay contre le luxueux train de vie que mènent les courtisans, se mêlent d’une part d’autres registres (tout n’est pas vindicatif) et d’autre part un peu d’ironie douce-amère.
Rimbaud, Poésies, II : « Ce qu’on dit au poète à propos des fleurs » : « Oui, vos bavures de pipeaux / Font de précieuses glucoses ! » IV. « Ton quatrain plonge aux bois sanglants / Et revient proposer aux Hommes / Divers sujets de sucres blancs, / De pectoraires et de gommes ! »
Rimbaud s’érige contre tout ce qui est « fadasse », trop convenu, doucereux et univoque. C’est grâce à ce dieu de la poésie qui a su trouver la Beauté – cet idéal éthéré, écœurant et glucoseux – « amère » (Une Saison en enfer) que les poètes ont abandonné les poèmes-barbapapa pour des trucs un peu laids, un peu trash, un peu… ancrés dans le réel finalement ? (Bon d’accord, Baudelaire avait déjà bien déblayé le chemin).
Abondance, fertilité, érotisme : le sucre, que de promesses ! Exode 33, 1 – 3 : « Le Seigneur parla à Moïse : « Va, toi et le peuple que tu as fait monter du pays d’Egypte, monte d’ici vers la terre que j’ai juré de donner […]. Monte vers une terre ruisselant de lait et de miel. » (source : aelf.com)
Le miel et le lait évoquent ici ce qui est agréable, doux, mais aussi précieux. Pour qu’il y ait lait et miel, il faut qu’il y ait alliance entre la nature et l’homme, et donc harmonie et paix. Là où ça devient intéressant, c’est lorsque certains commentateurs rapprochent le lait et le miel des fluides corporels, et donc de la fertilité – quel que soit le sexe. Cette image biblique archi-connue aurait-elle un sens caché érotique ?
Verlaine, Jadis et naguère, « Luxures » : « Chair ! ô seul fruit mordu des vergers d’ici-bas, / Fruit amer et sucré qui jutes aux dents seules / Des affamés du seul amour, bouches ou gueules, / Et bon dessert des forts, et leurs joyeux repas »
Ce poème suggère que des amoureux ont faim l’un de l’autre, ce qui renvoie à plein d’expressions (comme « se dévorer du regard »), à des images poétiques (la bouche de l’être aimé devient coupe à laquelle on vient boire), mais aussi au sémantisme du sucré, puisque le sucre et l’amour partagent plein de points communs (la douceur, le fait d’être addictif…). Cette richesse sémantique fait que ces quelques vers cités peuvent être lus de plein de façons différentes (littéraire, romantique, érotique…).
Une douceur trompeuse Si l’amour et le sucre, par leur chair, leur sucre et leur jus identiques, sont un seul et même fruit, alors ils ont aussi en partage l’a mertume et la tromperie (le même vers dans le fruit que les manières mielleuses des courtisans à la cour pontificale selon Du Bell ay !), d’où l’expression « faire sa sucrée » employée par le même Verlaine dans « Femme et chatte » (section « Caprices », Poèmes saturniens) pour inciter le lecteur à se méfier autant de la femme que de la chatte, toutes deux « rentr[an]t [leur] griffe acérée ».
Le sucre est ainsi associé à l’amour trompeur à cause de son côté séducteur. C’est ce qui incite Ronsard dans une de ses Chansons à multiplier les qualificatifs se référant à son amante, quitte à se contredire tant l’ambiguïté est grande : d’ « angelette », la femme aimée devient « Toute ma petite malice », et ce, au prisme d’une comparaison avec des aliments sucrés – le miel et la réglisse –… Méfiance, donc ! Chez les poètes, le sucre, élément lyrique par excellence si l’on se réfère au livre de l’Exode ou même au poème « Luxures » de Verlaine, a donc autant une connotation positive que négative. S’il peut se manger, il ne rassasie pas, et s’il soulage et apaise, cela n’est pas sans risque d’assujettissement. C’est pourquoi, dans un seul et même vers, dans une seule et même chevelure, Baudelaire réunit « l’odeur du tabac mêlée à l’opium et au sucre » (« Un hémisphère dans une chevelure », Le Spleen de Paris). Quelle fragrance complexe !
Offrir des « mosaïques de gâteaux » Et pourtant ! Les poètes ne se lassent pas de ces comparaisons (trop abondantes pour être toutes citées ici !) parce que justement, il y a ambivalence, nuance et contradiction. Même dans les satires les plus vindicatives et même dans les éloges les plus dithyrambiques, du fait de la richesse de ce sémantisme commun, une once d’ambiguïté demeure… C’est ce dont on peut s’apercevoir dans le réquisitoire contre le sucre de Tholomyès (Les Misérables, VII) – je me permets de le citer tant le lyrisme est, comme toujours chez Totor, incommensurablement poétique – : « Tu es faite pour recevoir la pomme comme Vénus ou pour la manger comme Eve » et « Vous n’avez qu’un tort, ô femmes, c’est de grignoter du sucre. O sexe rongeur, tes jolies petites dents blanches adorent le sucre. ». Peut-être peut-on opposer les verbes « recevoir » et « manger » et au contraire, assimiler « rongeur » à « adorent ». Il y aurait deux conceptions du sucré (et de l’amour !) qui s’opposeraient : celle consommatrice (qui donne lieu à l’addiction comme on l’a déjà vu) et celle du don désintéressé, qui porte des fruits. C’est donc un problème de réception-consommation qui nous occupe !
Victor Hugo, Les chansons des rues et des bois, « Fêtes de village en plein air » : « La bière mousse, et les plateaux / Offrent aux dents pleines de rire / Des mosaïques de gâteaux. »
Par ailleurs, cette autre image pittoresque hugolienne nous fait observer combien le sucre joue un rôle social. Qui n’offrirait pas une part de gâteau à ses invités lors d’un anniversaire ? Il semble que le sucre soit un incontournable des rassemblements joyeux. Difficile de le proscrire à tout jamais sans passer pour un trouble-fête…
Ivresse poétique et orgie de sucre ! Jean-Baptiste Clément, « Le temps des cerises » : « Quand nous chanterons le temps des cerises, / Et gai rossignol et merle moqueur / Seront tous en fête ! / Les belles auront la folie en tête / Et les amoureux le soleil au cœur ! »
Les aliments sucrés, parce qu’ils ne nourrissent ni n’abreuvent le gourmand insatiable, donnent lieu à de véritables festins, à une consommation démesurée… Le sucre lors des fêtes abroge les limites et restrictions ! Dans le cas du « Temps des cerises », il symbolise en plus l’insouciance : les cerises des temps idylliques deviennent semblables aux taches de sang des temps de guerre lorsqu’il n’est plus temps de les cueillir. On a donc, avec le sucre, une morale plutôt horatienne et épicurienne (Carpe diem, etc.).
Si l’on pense en termes de boissons, le lecteur peut être invité à une bacchanale poétique[1], d’autant plus que le vin a été perçu dans de nombreuses civilisations comme un symbole de vie, d’éternité, de jeunesse et de renouveau. On pourrait là encore citer Rimbaud (« Le bateau ivre »), Baudelaire (« Enivrez-vous ») ou Verlaine (« Il Baccio »), mais pour varier un peu… voici un extrait de l’œuvre Rubaiyat (c’est-à-dire « quatrains ») d’Omar Khayyâm, un poète perse du XIIe siècle : « Bois du vin… c’est lui la vie éternelle, / C’est le trésor qui t’es resté des jours de ta jeunesse : / La saison des roses et du vin, et des compagnons ivres ! / Sois heureux un instant, cet instant c’est ta vie. ».
En bref : les poètes vous recommandent les mets sucrés à condition de les recevoir et non de vous les procurer vous-mêmes pour une consommation purement égoïste. De fait, le sucre est quelque chose de social, il se partage dans les moments festifs. Il n’en n’est pas moins un fameux séducteur, plein de promesses en ce qui concerne l’amour, l’extase, le renouveau, l’insouciance, etc., mais en ce qui concerne la liberté, la sincérité et la santé… Néanmoins, si vous aimez le sucré, l’amour et la poésie, saupoudrez donc votre vie de po’aimes et jetez-vous corps et âmes dans des expériences lyriques à base de sucre, vous vivrez certainement des choses ahurissantes (n’hésitez pas à contacter la rédac’ pour nous faire part de vos témoignages à ce propos) !
Blandine
[1] Si vous aussi voulez être ivres de poésie, je vous recommande la série de podcasts de France Culture sur le sujet.
Sous les toits de Paris, se cache de véritables pépites musicales, notamment dans les opéras qui se trouvent aux quatre coins de la ville. À toi, qui ne se souvient même pas de la dernière fois où tu as écouté de la musique qui ne sortait pas de tes écouteurs ; à toi, qui pense que les opéras n’ont plus aucun secret pour toi, ou bien à toi, qui pense que l’opéra est réservé aux vieux riches en costume qui n’écoutent que de la bonne vieille musique classique, laisse-moi t’emmener à travers une petite sélection de concerts ou spectacles en tout genre et particulièrement insolites.
1- La Khovantchina
– Drame musical historique en cinq actes – Du 26 janvier au 18 février 2022 à l’opéra Bastille – À partir de 15€
Avis aux amateurs d’histoire russe! Le célèbre compositeur russe Modeste Moussorgski nous amène dans cet opéra se déroulant lors de la Révolte de Moscou de 1682, année où Pierre le Grand est sacré tsar. Ajoutée à la mise en scène d’Andrei Serban avec ses costumes flamboyants et ses décors monumentaux qui nous font remonter le temps tout droit dans la Russie féodale du XVIIe siècle et vous serez comblés.
« Alors que celui-ci souhaiter réformer la Russie, il se heurte aux résistances de la noblesse et de l’église, la première conduite par le prince Ivan Khovanski, la deuxième par les Vieux-Croyants et leur chef Dosifei. À cette histoire tragique, Moussorgski a donné la musique la plus fascinante qui soit, sombre et envoûtante, semblant venir du fond des âges. »
2- Alcina
– Opera seria en trois actes – Du 25 novembre au 30 décembre 2021 au Palais Garnier – À partir de 25€
Cet opéra du génie prussien Georg Friedrich Haendel (1685-1759) de la musique baroque est inspiré du poème épique de l’Arioste, l’Orlando furioso (1516).
« L’histoire de l’opéra n’a cessé d’être hantée par des femmes ensorcelant les hommes. Alcina ne fait pas exception : elle séduit ses victimes jusqu’à leur faire oublier leur propre patrie. Danger de l’amour déréglé ou délices de l’abandon de soi? Par-delà le merveilleux, le génie de Haendel s’attache à peindre en Alcina une femme blessée, profondément humaine et pathétique: le chant de la magicienne déchue nous inspire une étrange compassion. De cette ambiguïté, du clair-obscur des sentiments et des travestissements du désir, la mise en scène de Robert Carsen, qui fit entrer l’oeuvre au répertoire de l’Opéra de Paris, sait jouer avec finesse. »
3- Ballade du Nord
– Concert et récital – Le 9 novembre 2021 à l’Opéra Bastille – 10€ pour les moins de 28 ans
Avis aux amateurs de cultures du Nord ! Une représentation unique vous est proposé pour voyager à travers un émouvant récit romantique et pour non pas moins, très original, à découvrir dans l’Opéra où notre très célèbre Gala national aura lieu !
« Ce récital propose un voyage dans les récits fantastiques et mythologiques du Nord : ballades et romances nostalgiques de Loewe, Schubert, Schumann et des pièces de Duparc, confessions émouvantes si proches du romantisme allemand. »
4- Les Éclairs
Drame joyeux en quatre actes Du 2 au 8 novembre 2021, à l’Opéra-Comique A partir de 6€
Pour tout t’avouer très cher lecteur, je n’avais pas la moindre idée de ce que pouvait être l’opéra-comique, jusqu’à il y a peu. Il s’agit en fait d’un genre d’opéra où les scènes chantées alternent avec des dialogues parlés (avec des apartés au public). L’opéra a plus d’un tour dans son sac ! Je vous propose ici, de découvrir un opéra-comique, d’autant plus original puisqu’il est adapté d’un roman (!!!) de Jean Echenoz et adapté par lui-même, ce que peu d’auteurs ont pu faire au cours de leur carrière.
« Les Éclairs retrace le destin de l’ingénieur Nikola Tesla – devenu Gregor – entre conte et chemin de croix. Lorsqu’il arrive à New York en 1884, Gregor est habité par ses visions. Il veut développer de façon révolutionnaire les usages de l’électricité. Mais la science l’intéresse plus que le profit. Des industriels le pillent et dévoient ses inventions. Il se réfugiera dans le spectacle des éclairs et la compagnie des oiseaux. »
Que ma sélection vous ait conquise ou non, n’hésitez vraiment pas à regarder les programmations des opéras parisiens. Les prix sont souvent très abordables et le monde du spectacle a plus que besoin en cette période, de conquérir de nouveaux publics !
Entends ça, l’amour est un oiseau rebelle. Toi, le fou, qui l’en age et le recèle Te sens-tu prêt, ce torero, à l’affronter ? Devant les cornes, point peur il n’a, Don José. Tous bercent son visage dans leur mémoire, Elle rit de se voir si belle dans son miroir. Toi, Papageno, l’oiseleur, vas-tu mentir ? D’un air de flûte lui fait naître des soupirs ? La belle, enchantée : est-ce parole d’or ? Que nenni ! Un cadenas ta bouche va clore. Croit-tu, Radamès, l’enfermer dans la tombe Telle qu’Aïda, à ton amour succombe ? Crois-tu être Gérald, quand je serais Lakmé ? Et par amour de toi, je meurs empoisonnée. Hélas ! Le chant des fleurs ne peut point résonner ! Mon amour, lui, ne peut être apprivoisé. Pensez-vous, officier, dans votre filet, Par quelques ruse, mon coeur vous capturez ? Gare ! Point je ne suis, Madame papillon Et Seville m’abrite, Nagasaki, non ! Laisser-moi libre, ou comme la walkyrie, Invincible, je charge, et je vous détruis. Sais-tu, mon amour est enfant de bohème. de par le monde mon nom résonne : Carmen ! Mezzo-soprano, oui, est la voix qu’il vous faut. Pour toutes, jouer mon rôle, C’est un cadeau. Enfin Ménélas ! Te voilà à la traîne : « Je suis l’époux de Carmen, l’époux de Carmen… »
Opéra Garnier, Opéra Bastille… Quand on parle d’opéras, on pense aux bâtiments, aux œuvres musicales et parfois même aux gâteaux mais rarement à la station de métro. Et pourtant, celle-ci a aussi ses secrets bien que cachés six pieds sous terre.
Marquant le croisement des lignes 3, 7 et 8 du métro parisien, la station Opéra est ouverte en octobre 1904. A l’époque, elle n’accueillait que le premier tronçon de la ligne 3. Ce n’est qu’en novembre 1910 que la ligne 7 y a fait son entrée avant que la ligne 8 ne la rejoigne en 1913. A cheval entre le 2e et le 9e arrondissement, la station fait partie des plus fréquentées de la capitale avec environ 10,5 millions de voyageurs en 2019.
Sa particularité réside évidemment dans la présence de ces trois lignes de métros. Celles-ci sont superposées les unes sur les autres sur une vingtaine de mètres de profondeur. Réalisé en moins d’un an par l’entrepreneur Léon Chagnaud, l’ouvrage de superposition est imaginé dès l’ouverture de la station, de haut en bas : la 3, la 7 puis la 8. Pourquoi dont tout faire en même temps si les stations ne sont pas toutes ouvertes en 1904 ? Eh bien pour limiter le dérangement auprès des habitants du quartier de l’Opéra Garnier, très largement fréquenté.
Mais les péripéties du chantier de la station ne s’arrêtent pas là ! En effet, le célèbre architecte Hector Guimard propose un projet pour l’entrée de la station mais celui-ci est refusé par la Compagnie du métropolitain de Paris (CMP) qui souligne un manque d’harmonie entre le projet et l’Opéra de Garnier. En même temps, Guimard travaille plus dans un style art nouveau qui tranche avec celui très éclectique de l’Opéra. Ce qui nous vaut une très belle réponse de Guimard dans la presse : « Est-ce qu’on devra dorénavant harmoniser la gare du Père Lachaise avec le cimetière et la construire sous forme de tombeau ? ».
Finalement, il n’avait pas si tort que cela car le projet retenu par la CMP et que l’on emprunte toujours aujourd’hui est un projet de l’architecte Marie-Joseph Cassien-Bernard, projet très simple composé d’une balustrade basse. Celui-ci finalement réalisé initie un mouvement pour d’autres entrées de métro qui sont alors ornées en rapport avec le monument qu’elles jouxtent. Le Figaro s’en réjouit d’ailleurs en 1907 : « On a renoncé à déshonorer la place de l’Opéra avec ces rampes contorsionnées, ces lampadaires bossus qui signalent par d’énormes yeux de Grenouilles les autres stations du Métropolitain. Celle-ci est entourée d’une simple balustrade en pierre polie (…) en parfaite harmonie avec l’Académie de musique. C’est simple, très artistique et du meilleur goût. Maintenant que le premier pas est fait, nous espérons que l’on va faire disparaître les ornements « Art nouveau » qui décorent la station de la place du palais-Royale et des Tuileries (…) ». Vous aurez compris, l’Art nouveau ça ne plaisait plus trop à ce moment-là.
Bref, maintenant quand vous irez à l’Opéra Garnier en mangeant votre opéra et en écoutant notre magnifique playlist opéra, vous penserez peut-être à cette station dont l’histoire ne vous est plus si méconnue que ça.
Hello hello mes chers Édléiens ! Pas trop angoissés par ce futur de plus en plus incertain ? Mmm oui, ce n’est peut être pas la blague à faire en ces temps là, n’est-ce pas ? De toute manière, nous sommes ici pour parler futur, grande carrière et voitures volantes comme dans Retour vers le futur. Allons, bon, il est temps de débuter.
1- Les étudiants du Louvre, on va tous se retrouver à travailler dans le musée 39-45 de notre bled. Je suis déjà préparée à taffer au musée du rail de ma ville.
2- « oune crwoissante » comme disent les Américains :
3- Franchement… ils ont bien dû rigoler ces derniers temps. Les humains sont fantastiques :
4- Nan mais sérieusement ? C’est pas une base à avoir ?
5- Putain citadin de tes morts
6- Si les gens du passé voyaient cela… ils seraient bien intrigués par le futur.
7- Ça peut toujours être pire. TOUJOURS.
8- Direction chômage.
9- Je me fais inonder par les mails du Louvre mais je les ouvre jamais, shame on me :
10- Ils sont bêtes… mais on les aime quand même.
Le Louvr’Boîte tient à remercier ses inspirations de toujours !
Je vous ai déjà parlé de l’armorial d’Hozier n’est-ce pas ? Mais si, il s’agit de cette grande tentative de réunion de toutes les armoiries portées en France, sous Louis XIV, entre 1696 et 1710. Le but de cette entreprise était de réunir les fonds nécessaires à renflouer les caisses de l’état, mises à mal par les coûteuses guerres de la ligue d’Augsbourg (1688 – 1697) puis de succession d’Espagne (1701 – 1714). Comment ? En prélevant des taxes pour chaque armoirie recensée bien sûr ! Cette taxe allait de vingt livres pour les particuliers (entre 350 et 500 euros suivant l’année et l’inflation tout de même) à trois cents livres pour les villes.
Mais bien sûr, tout le monde n’a pas voulu s’acquitter de ce nouvel impôt déguisé. Qu’à cela ne tienne ! La famille d’Hozier, en charge de l’armorial, demande aux commis de créer des armes dites « d’office » aux réfractaires. Environ la moitié de l’armorial sera alors rempli d’armoiries de ce type à partir de 1699. Si jusqu’en 1701, les commis pouvaient laisser libre cours à leur imagination en attribuant de simples armes parlantes ou des combinaisons moqueuses, leur apport est ensuite régulé et ils n’utilisent alors que des combinaisons mécaniques de pièces, meubles et couleurs. Ce qui est à mon avis nettement moins drôle.
Cette brève (deux ans seulement) période de l’histoire de l’héraldique française donne encore aujourd’hui de sacrés fous rires aux chercheurs en héraldique qui feuillettent le fameux armorial (accessible en ligne sur Gallica). Laissez-moi donc vous en présenter deux ou trois parmi les plus croustillants.
Joyeux Noël :
Certains Messieurs Noël, comme ici à Paris, se sont vus affublés d’un enfant Jésus sur leurs armes. Mais pour l’instant, rien de bien méchant quoique ce soit tout à fait ridicule.
Le lièvre et la tortue :
C’est ici que l’on commence à se moquer, car c’est sans doute contre son gré que le Lyonnais Claude Tardif se retrouve avec des armes d’argent à une tortue de sinople accompagnée de trois escargots d’azur. De nombreux autres Tardif se sont retrouvés comme lui avec des tortues sur leur blason.
De l’art d’envoyer paître … :
De même, en Bourbonnais, Jean Doyard se voit attribuer des armes parlantes de toutes beauté avec ce magnifique doigt d’honneur, sans doute lancé à la face du récalcitrant porteur.
… et de celui d’envoyer chier :
Il semble que les commis du Bourbonnais étaient en grande forme, car René Grandchier, curé de Saint-Quentin, se retrouve l’heureux porteur de ce qui sont sans conteste les armoiries les plus poétiques de la création : De gueules à un clystère d’argent. Le clystère était à l’époque utilisé pour faciliter le transit intestinal … Hum !
Sur ces quelques exemples, je vous laisse. Mais prenez garde : personne ne sait ce que le futur retiendra de vous !
Mais bien sûr, tout le monde n’a pas voulu s’acquitter de ce nouvel impôt déguisé. Qu’à cela ne tienne ! La famille d’Hozier, en charge de l’armorial, demande aux commis de créer des armes dites « d’office » aux réfractaires. Environ la moitié de l’armorial sera alors rempli d’armoiries de ce type à partir de 1699. Si jusqu’en 1701, les commis pouvaient laisser libre cours à leur imagination en attribuant de simples armes parlantes ou des combinaisons moqueuses, leur apport est ensuite régulé et ils n’utilisent alors que des combinaisons mécaniques de pièces, meubles et couleurs. Ce qui est à mon avis nettement moins drôle. 
